สัญลักษณ์ของยุโรปตะวันตกในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ศิลปะของยุโรปตะวันตกในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20

บทกวีภาษาฝรั่งเศสของ LATE XIX - เริ่มต้นศตวรรษที่ XX

สัญลักษณ์

ในประเทศฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ สัญญาณของยุคเปลี่ยนผ่านมีความชัดเจนเป็นพิเศษ ในด้านหนึ่งมีความเชื่อมโยงที่จับต้องได้และมีชีวิตกับมรดกอันยาวนานของศิลปะแห่งชาติ พร้อมด้วยประเพณีที่เชื่อถือได้และเป็นที่ยอมรับทั่วโลก ซึ่งสะท้อนให้เห็นในผลงานของนักเขียนหลายคน - แม้แต่ Marcel Proust ก็ยอมรับว่าเขาเป็น " หมกมุ่นอยู่กับบัลซัค” อูโกเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2428 และเมื่อถึงศตวรรษใหม่ถูกมองว่าเป็นเทพชนิดหนึ่งจากวรรณกรรมในฐานะตัวตนของวิญญาณแห่งศตวรรษที่ 18-19 ยุคแห่งเหตุผลและความก้าวหน้า

นอกเหนือจากประสบการณ์ทางศิลปะที่ไม่มีใครเทียบได้ ปลายศตวรรษที่แล้วฝรั่งเศสยังมีประสบการณ์ทางสังคมและการเมืองที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย ศตวรรษแห่งการปฏิวัติที่จบลงด้วยคอมมูนชนชั้นกรรมาชีพในปี พ.ศ. 2414 ได้นำชนชั้นทั้งหมดเข้าสู่เวทีการต่อสู้ทางการเมือง สังคมฝรั่งเศสที่ตื่นตัวและกลายเป็นประชาธิปไตย และผลจากการพัฒนาทางสังคม ทำให้ "เสื้อคลุมปิแอร์กลายเป็นเจ้าของร้าน" โครงสร้างทางสังคมที่พัฒนาขึ้นในช่วงปลายศตวรรษจึงปรากฏเป็น "โลกที่มีสีแบบแม่พิมพ์" ที่น่าหดหู่

โทมัส มันน์ เล่าว่าชาตินี้ถือกำเนิดขึ้นท่ามกลางไฟแห่งการปฏิวัติฝรั่งเศส “ความยิ่งใหญ่ของจิตวิญญาณทางการเมืองของฝรั่งเศส” อยู่ที่ “ความสามัคคีที่มีความสุข” ของนักปฏิวัติและสากล ไม่ว่าในกรณีใด ลัทธิประวัติศาสตร์และวุฒิภาวะทางการเมืองกลายเป็นสัญญาณที่เห็นได้ชัดเจนของวรรณคดีฝรั่งเศสที่เกิดขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 19 ด้วยละครที่พิเศษ วรรณกรรมนี้แสดงถึงความคาดหวังของการเปลี่ยนแปลงทางประวัติศาสตร์ที่กำลังสุกงอมในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ และในวรรณกรรมนี้เองที่อีกด้านหนึ่งของช่วงเปลี่ยนผ่านเห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษ: การละทิ้งประเพณี ความจำเป็นในการต่ออายุ เพื่อพัฒนา “กวีนิพนธ์ใหม่” ให้สอดรับกับการเปลี่ยนแปลงอันน่าทึ่งอย่างแท้จริง

“ เทพเจ้าทั้งหมดสิ้นพระชนม์” - นี่คือวิธีที่จุดเปลี่ยนเหล่านี้ระบุไว้ในคำพังเพยอันโด่งดังของฟรีดริชนีทเชอ จากคำกล่าวนี้เป็นไปตามคำเรียกร้องของเขาให้ "ค้นพบตัวเราเอง" แต่การค้นพบตัวเองในโลกที่เหล่าเทพเจ้าจากไปนั้นดำเนินไปโดยส่วนใหญ่เป็นบทกวีในบทกวีและเหนือสิ่งอื่นใดในบทกวีโรแมนติก - ขั้นตอนแรกของการเปลี่ยนแปลงทางประวัติศาสตร์คือการพัฒนาแนวโรแมนติกของฝรั่งเศสไปสู่สัญลักษณ์ สัญลักษณ์ปรากฏเป็นขั้นตอนสุดท้ายของการเปลี่ยนแปลงของแนวโรแมนติกในศตวรรษที่ 19 ซึ่งเชื่อมโยงอย่างเป็นธรรมชาติกับประสบการณ์ก่อนหน้านี้ทั้งหมดและในขณะเดียวกันก็มุ่งสู่ "บทกวีใหม่" - นั่นคือมันปรากฏเป็นเวอร์ชันคลาสสิกของศิลปะการเปลี่ยนผ่าน ยุค.

ความสำคัญของการเปลี่ยนแปลงนี้ไม่ได้เกิดขึ้นทันที แต่เกิดขึ้นในภายหลังในศตวรรษที่ 20 พร้อมกับความเข้าใจในศตวรรษใหม่นี้เอง และสัญลักษณ์เองก็เติบโตเต็มที่ในผลงานของกวีที่ไม่ผูกพันกับเอกสารหรือแนวปฏิบัติพื้นฐานใดๆ แถลงการณ์ครั้งแรกของ Symbolism ได้รับการตีพิมพ์ในปี พ.ศ. 2429 และเขียนโดย Jean Moreas กวีผู้เยาว์; ตอนนั้นเองที่พวกเขาเริ่มพูดคุยเกี่ยวกับสัญลักษณ์เกี่ยวกับโรงเรียนสัญลักษณ์ของฝรั่งเศส Rimbaud และMallarméได้รับชื่อเสียงหลังจากการตีพิมพ์หนังสือของ Verlaine เรื่อง "The Damned Poets" และนวนิยายเรื่อง "On the contrast" ของ Huysmans ในปี พ.ศ. 2427 มาถึงตอนนี้ Rimbaud ซึ่งทำงานค้าขายในแอฟริกาลืมไปแล้วว่าครั้งหนึ่งเขาเคยเป็น กวี - และด้วยความประหลาดใจที่เขาเรียนรู้ในความสันโดษว่าเขาถูกรวมอยู่ในสัญลักษณ์ซึ่งเขาไม่รู้เลย ฉันไม่รู้ แต่เมื่อย้อนกลับไปในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2413 ด้วยการประกาศความปรารถนาของเขาที่จะเป็น "กวีผู้มีญาณทิพย์" Rimbaud จึงได้ประกาศการสร้างบทกวีเชิงสัญลักษณ์ มีการระบุไว้ในจดหมายที่ตีพิมพ์สี่สิบปีต่อมาและไม่มีใครรู้เกี่ยวกับความตั้งใจของกวีจนกระทั่งถึงเวลานั้น

Mallarméเป็นนักทฤษฎีเรื่องสัญลักษณ์ แต่ในขณะนี้การอภิปรายของเขาเกี่ยวกับ "บทกวีใหม่" ไม่ได้ไปไกลกว่าการติดต่อส่วนตัวและบทกวีไม่พบผู้อ่านในยุค 60 และ 70 มีเพียง Verlaine เท่านั้นที่รู้จักและมีอิทธิพลมาก ("บิดาที่แท้จริงของกวีรุ่นเยาว์ทุกคน" ตามMallarmé) แต่ Verlaine ถูกมองว่าเป็นกวีอิมเพรสชั่นนิสต์ บทบาทของเขาในการเตรียมสัญลักษณ์ "กวีนิพนธ์ใหม่" ไม่สามารถรับรู้ได้ ในเวลานั้น หากเพียงเพราะไม่มีใครรู้จัก Rimbaud หรือ Mallarmé ซึ่งได้รับการอิทธิพลอย่างมากจาก Verlaine

ในตอนท้ายของศตวรรษ สัญลักษณ์เริ่มถูกระบุด้วยความรู้สึกคลุมเครือแต่มีเสรีภาพไร้ขอบเขต ซึ่งสำหรับชาวฝรั่งเศสถูกทำให้เป็นรูปธรรมในการปลดปล่อยจากระบบที่เข้มงวดของการใช้ภาษาแบบดั้งเดิม ซึ่งมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อบทกวีระดับชาติในการสร้างระบบ ของถ้าไม่เสรีก็โองการเสรี แถลงการณ์ของ Moreas มีสัญญาณที่ชัดเจนของสัญลักษณ์ในเวลานั้นไม่มากก็น้อย ภารกิจหลักของ Symbolist คือการทำซ้ำ "ความคิดดั้งเดิม" ซึ่งเป็นผลมาจากการที่ทุกสิ่ง "เป็นธรรมชาติ" ปรากฏเป็น "รูปลักษณ์" เท่านั้นที่ไม่มีความหมายทางศิลปะที่เป็นอิสระ วิธีการบทกวีทั้งหมดมุ่งเป้าไปที่การถ่ายทอดความลึกลับ " สาระสำคัญดั้งเดิม" ด้วยความช่วยเหลือของคำใบ้ "การชี้นำ" , "การชี้นำ" หมายถึง โดยธรรมชาติแล้วกวีดังกล่าวได้เปรียบเทียบสัญลักษณ์อย่างชัดเจนว่าเป็นการเคลื่อนไหวในอุดมคติกับจิตวิญญาณของลัทธิธรรมชาตินิยมลัทธินิยมนิยมลัทธิเหตุผลซึ่งครอบงำในช่วงกลางศตวรรษ - ร้อยแก้วในความหมายทั้งหมดของคำ

ไม่มี "โรงเรียน" ใดที่สามารถรวมกวีคนสำคัญที่แตกต่างกันเช่น Verlaine, Rimbaud และ Mallarmé เข้าด้วยกันได้ ยิ่งกว่านั้นการรวมกันของพวกเขายังมีความซับซ้อนเนื่องจากความจริงที่ว่าพวกเขาแต่ละคนกลายเป็นตัวตนของการเคลื่อนไหวระยะหนึ่ง - อย่างไรก็ตามในทิศทางเดียวคือทิศทางของการ "ค้นพบตัวเอง" ในโลกที่พระเจ้าละทิ้งนั่นคือ ในโลกที่ความจริงอันเป็นรูปธรรมกำลังจะจากไป และแหล่งเดียวของ "กวีนิพนธ์ใหม่" กลับกลายเป็น "ฉัน" ของกวี

“ ฉันเกิดมาเป็นคนโรแมนติก” Paul Verlaine (1844-1896) ยอมรับความเชื่อมโยงที่ชัดเจนและลึกซึ้งของบทกวีของเขากับแนวโรแมนติก (บทกวีเรื่องแรกของเขา "ความตาย" ในปี 1858 เขาอุทิศและส่งให้ Victor Hugo) โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับช่วงปลาย กลุ่มโรแมนติกของ Parnassus (Lecomte de Lisle, Banville ฯลฯ ) และผลงานของ Charles Baudelaire การเชื่อมโยงนี้กำหนดทั้งเนื้อหาและรูปแบบของบทกวีชุดแรกของ Verlaine "Saturnalia" (1866): การต่อต้านที่โรแมนติกของอุดมคติต่อฝูงชนที่หยาบคาย อดีตจนถึงปัจจุบัน ฯลฯ อย่างไรก็ตามใน "Saturnalia" เป็นพิเศษแล้ว , น้ำเสียง Verlaine ของความเศร้าโศกและความปรารถนาแพร่กระจาย (วงจร "ความเศร้าโศก" ", "ทิวทัศน์ที่น่าเศร้า") น้ำเสียงนี้มีต้นกำเนิดมาจาก "ม้าม" ของโบดแลร์ แต่ถูกกระตุ้นโดยการล่มสลายของภาพลวงตาทั้งหมดของกวีผู้ยอมรับอย่างขมขื่นว่าเขา "ไม่เชื่อในสิ่งใดเลย"

กวีที่สูญเสียศรัทธาเชื่อใจเพียงความรู้สึกและความประทับใจของเขา - ในขณะที่ตีพิมพ์ "Saturnalia" Verlaine เริ่มก้าวไปสู่สิ่งที่เขาเรียกว่า "ระบบใหม่" การเชื่อมโยงหลักของ "ระบบ" ตามที่ Verlaine กล่าวคือ "ความจริงใจ และเป้าหมายเหล่านี้ได้รับการตอบสนองจากช่วงเวลาที่กำหนด ซึ่งติดตามอย่างแท้จริง" "ความรู้สึกที่แน่นอน" ด้วยเหตุนี้ กวีจึง “แยกประเด็นทางประวัติศาสตร์และวีรชนออกไป ด้วยโทนเสียงที่มหากาพย์และการสอนที่ดึงมาจากวิกเตอร์ อูโก”

เหตุการณ์สำคัญของการเคลื่อนไหวนี้คือคอลเลกชัน "Gallant Celebrations" (1869) และ "Good Song" (1870) การรับรู้แบบอัตนัยเกี่ยวกับชัยชนะของความเป็นจริงในตอนแรกเปลี่ยนโลกให้กลายเป็นโรงละครหุ่นซึ่งได้รับมอบหมายให้แสดง "ด้วยจิตวิญญาณ" ของศตวรรษที่ 18 ในภาพย่อส่วนอันงดงาม ฉากสั้นๆ ในภูมิประเทศที่เต็มไปด้วยความรู้สึก ทุกอย่างดูน่ากลัว เป็นรอง ราวกับว่าคัดลอกมาจากภาพวาดของ Watteau หรือคัดลอกมาจากหนังสือ "ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 18" โดยพี่น้อง Goncourt ซึ่ง Verlaine ชื่นชมในยุค 60 .

“เพลงดีๆ” กล่าวถึงผู้หญิงที่เขารัก และไม่ปราศจากคำฟุ่มเฟือย ความซ้ำซากจำเจ และความน่าสมเพชที่เกิดจากพิธีกรรมความรัก แต่โดยรวมแล้ว คอลเลกชั่นนี้ถือเป็นการเปลี่ยนผ่านจาก "มหากาพย์" ไปสู่เรื่องส่วนตัว สู่ชีวิตประจำวัน สู่ความประทับใจ "จากช่วงเวลานั้น" การดูดซึมรายละเอียดเล็ก ๆ ของชีวิตสิ่งธรรมดาในชีวิตประจำวันที่เจาะลึกซึ่ง Verlaine เปลี่ยนให้เป็นรายละเอียดของโลกแห่งบทกวีอย่างแท้จริงให้กลายเป็น "ภูมิทัศน์แห่งจิตวิญญาณ" พิเศษ - ทั้งหมดนี้จะกลายเป็นคุณลักษณะของบทกวีของอิมเพรสชั่นนิสต์ เช่นเดียวกับความเป็นธรรมชาติที่เป็นลักษณะเฉพาะของบทกวี: จากจังหวะของบทกวีโรแมนติก "โทนเสียงมหากาพย์และการสอน" Verlaine ย้ายไปที่รูปแบบเพลงขนาดเล็กเขียนราวกับเป็นเสียงกระซิบในลมหายใจเดียวในช่วงเวลาหนึ่ง

หลังจากปี พ.ศ. 2414 ความเศร้าโศกของ Verlaine แย่ลง ความพ่ายแพ้ของคอมมูนก็มีบทบาท Verlaine ไม่ได้ออกจากปารีสในช่วงที่มีการจลาจล เขาเห็นอกเห็นใจกับ Communards ส่วน Communards อยู่ในหมู่เพื่อนของเขา ชีวิตส่วนตัวที่ไม่บรรลุผลและการเลิกรากับภรรยาของเขามีบทบาท มิตรภาพกับ Rimbaud ก็มีบทบาทเช่นกัน (ในเดือนสิงหาคม พ.ศ. 2414 Rimbaud เขียนถึง Verlaine จากนั้นมาหาเขาที่ปารีส) ซึ่งลัทธิทำลายล้างทั้งหมดได้ผลักดันให้ทำลายประเพณีอย่างเด็ดขาดมากขึ้นเพื่อทำความเข้าใจ "ความผิดปกติของความรู้สึกทั้งหมด" อย่างจริงจัง

ในปีพ. ศ. 2417 คอลเลกชัน "Romances Without Words" ปรากฏขึ้นซึ่งแนวคิดเกี่ยวกับบทกวีอิมเพรสชั่นนิสต์ใหม่ของ Verlaine มีความสัมพันธ์กันเป็นหลัก ในปีเดียวกันนั้นมีการจัดนิทรรศการครั้งแรกที่มีชื่อเสียงของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ - อิมเพรสชั่นนิสม์กลายเป็นข้อเท็จจริงของประวัติศาสตร์ศิลปะฝรั่งเศส

เนื่องจากเหมาะกับงานอิมเพรสชั่นนิสม์ “Romances Without Words” จึงประกอบด้วยบทกวีที่บรรยายภาพทิวทัศน์ วิชาอื่นๆ (ประวัติศาสตร์ วีรบุรุษ เสียดสี) หายไปอย่างไร้ร่องรอย แม้จะมีการกระจายตัวทางภูมิศาสตร์ที่ชัดเจน (ปารีส บรัสเซลส์ ลอนดอน) พื้นที่ของบทกวีก็มีมิติเดียวเหมือนกับเวลา: "ช่วงเวลาที่กำหนด" ซึ่งก็คือเวลาปัจจุบันนั้นหล่อเลี้ยง "ความประทับใจที่แม่นยำ" ของกวี

แต่ทิวทัศน์ที่นี่ไม่ธรรมดา - มันคือ "ทิวทัศน์แห่งจิตวิญญาณ" อย่างแท้จริง ธรรมชาติยุติการเป็นวัตถุซึ่งวิญญาณของกวีกำหนดตัวเองและแสดงออก จู่ๆ พวกมันก็รวมเข้าเป็นภาพเดียว เป็นสิ่งมีชีวิตเดียว ซึ่งในขณะที่ธรรมชาติยังคงเหลืออยู่ กลับกลายมาเป็นมนุษย์ กวีไม่ได้เปรียบเทียบ ไม่เปรียบเทียบ ไม่เป็นตัวเป็นตน เขาใช้อุปมาอุปไมยที่ใช้ชีวิตอย่างอิสระในฐานะเอกภาพคู่แบบอิมเพรสชั่นนิสต์ทั้งภายนอกและภายใน โดยมีอิทธิพลเหนือการแสดงผลภายใน

วลีที่เสร็จสมบูรณ์อย่างมีเหตุผลซึ่งมีความคิดและคำอธิบายถูกแทนที่ด้วยวลีสั้นๆ ที่ตกลงบนกระดาษราวกับลายเส้นบนผืนผ้าใบของศิลปิน เช่นเดียวกับการสัมผัสพู่กันของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์อย่างเร่งรีบ แวร์เลนสารภาพถึงความสามารถพิเศษของเขาในการ "มองเห็น" วัตถุ; เช่นเดียวกับศิลปิน เขา "ตามล่า" รูปทรง สี เงา วลีในบทกวีอิมเพรสชั่นนิสต์สูญเสียกิจกรรมอิสระ การกระทำจะทิ้งไปพร้อมกับกริยากริยา Verlaine พยายามมอบความไว้วางใจในการวาดภาพการสนทนาด้วยวาจาการสื่อสารของจิตวิญญาณและธรรมชาติ - เป็นสีและเสียง

คำพูดของ Verlaine "ดนตรีมาก่อน" ซึ่งเป็นบรรทัดแรกของบทกวี "ศิลปะบทกวี" ซึ่งเขียนในปี 1874 เดียวกันนั้นมีชื่อเสียง จากมุมมองของประเพณีบทกวีของฝรั่งเศส บทกวีนี้เป็นบทกวีนอกรีตที่รุกล้ำรากฐานของตัวเอง พื้นฐานของกลอนภาษาฝรั่งเศส (พยางค์) คือจำนวนพยางค์ในบรรทัดและสัมผัส ขนาดและไวยากรณ์ตรงกัน คำพูดขึ้นอยู่กับขนาด Verlaine ตั้งคำถามทั้งหมดนี้ ทั้งสัมผัสและมิติดั้งเดิมของกลอน ได้ประกาศความเป็นไปได้ของ "ความไม่ปกติ" ความแตกต่าง ท่อนที่ไม่มีคู่ และโดยเฉพาะดนตรี "ดนตรีเหนือสิ่งอื่นใด" Verlaine วางบทกวีไว้ที่ขอบเขตของการปลดปล่อยโดยสมบูรณ์ของเขา การทำซ้ำ สัมผัสภายใน ระบบสระพยัญชนะ สัมผัสอักษร - ทั้งหมดนี้สร้างเอฟเฟกต์ของความไพเราะที่น่าทึ่ง ดนตรีที่แท้จริงของคำ ออกแบบมาเพื่อสร้างแรงบันดาลใจ ปรับแต่ง และไม่รายงาน ไม่ใช่บรรยาย นั่นคือการเป็น "ความโรแมนติก" ก็เท่ากับ "ไม่มีคำพูด": อิมเพรสชันนิสม์ของ Verlaine มีข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับสุนทรียศาสตร์เชิงสัญลักษณ์ของ Mallarmé สุนทรียภาพแห่งความเงียบงัน

แต่ Verlaine เองก็ห่างไกลจากความสุดขั้วเช่นนี้ เขายึดมั่นกับชีวิตจริงในฐานะแหล่งที่มาของ "ความรู้สึกที่แน่นอน" และไม่กล้าที่จะฝ่าฝืนประเพณี ในคอลเลกชันที่ตามหลัง "Romances Without Words" ("Wisdom", 1880; "Once and Just", 1885; "Love", 1888 เป็นต้น) บทกวีปรากฏเขียนในขนาดดั้งเดิม (เช่น โคลง) ราวกับได้สติสัมปชัญญะ Verlaine เตือนว่า "สัมผัสเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับศิลปะฝรั่งเศส" บทกวีรอบสุดท้ายถูกครอบงำด้วยธีมความรักแบบดั้งเดิม (แม้ว่าจะเป็นการตีความที่ไม่สำคัญมากก็ตาม) และธีมความเชื่อในพระเจ้าแบบดั้งเดิมไม่น้อย ซึ่ง Verlaine กลับมาในขณะที่เขาจมลงกลายเป็นคนติดเหล้าและเสียชีวิต

ความไม่สอดคล้องกันของ Verlaine ถูกมองว่าเป็นสัญญาณของขั้นตอนแรกของการเคลื่อนไหวไปสู่ ​​"บทกวีใหม่" - เช่นเดียวกับความสม่ำเสมอของ Rimbaud ความเร็วที่ไม่ธรรมดาของการพัฒนาของเขาและความสั้นของเส้นทางของเขาดูเหมือนจะเป็นสัญญาณของขั้นตอนต่อไป: ภายในสามและ เป็นเวลาครึ่งปี Rimbaud สามารถเดินตามเส้นทางของบรรพบุรุษรุ่นก่อนและตั้งคำถามกับมันสร้างบทกวีใหม่เกี่ยวกับ "การมีญาณทิพย์" และต้องผิดหวังกับผลลัพธ์ของการปฏิรูปจึงทิ้งบทกวีไว้

Arthur Rimbaud (พ.ศ. 2397-2434) เริ่มต้นด้วยการอุทิศตนของนักเรียนคนเดียวกันกับ Verlaine ต่อเจ้าหน้าที่ในเวลานั้น Hugo กวีของ Parnassus, Baudelaire - กล่าวอีกนัยหนึ่งคือโรแมนติกของฝรั่งเศส (“ กวีที่แท้จริงคือความโรแมนติกที่แท้จริง”) บทกวีขนาดใหญ่เรื่อง "The Blacksmith" ที่บ่งบอกถึงการเริ่มต้นงานของ Rimbaud ในช่วงปีแรกครึ่งตั้งแต่เดือนมกราคม พ.ศ. 2413 ถึงเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2414 ทุกสิ่งในนั้นชวนให้นึกถึงบทกวีของ Hugo: โครงเรื่องทางประวัติศาสตร์ (การปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่) เนื้อหามหากาพย์และรูปแบบมหากาพย์ แนวคิดของพรรครีพับลิกันและรูปแบบที่ยิ่งใหญ่

ความคิดริเริ่มของ Rimbaud พัฒนาอย่างรวดเร็วพร้อมกับพัฒนาการของการกบฏของเขา เนื่องจากความไม่พอใจในชีวิต ความปรารถนาที่จะต่ออายุ ความอยากเปลี่ยนแปลงที่ไม่สามารถควบคุมได้ของเขาพบการแสดงออกทางบทกวี Rimbaud รู้สึกหงุดหงิดอย่างยิ่งกับโลกชนชั้นกลางที่หยาบคาย โลกของหุ่นยนต์มนุษย์ "นั่ง" ("นั่ง") กวีเป็นคนที่ดูถูกเหยียดหยามอย่างท้าทาย น้ำเสียงที่เสียดสีและแปลกประหลาดแพร่กระจายในบทกวีของ Rimbaud ภาพหนึ่งภาพผสมผสานปรากฏการณ์ที่ต่างกันและตัดกัน ความประเสริฐและพื้นฐาน นามธรรมและรูปธรรม บทกวีและน่าเบื่อ กวีนิพนธ์ของริมโบด์ในยุคแรกมีความโดดเด่นด้วยความสมบูรณ์ของคำศัพท์ที่หายาก ซึ่งในตัวมันเองสร้างความรู้สึกถึงแอมพลิจูดที่กว้างที่สุดและเปลี่ยนแปลงอยู่ตลอดเวลา จังหวะกระตุกเกร็ง และพฤกษ์ของบทกวี นอกจากนี้ยังมีความขัดแย้งในการผสมผสานความคิดและรูปแบบที่ตัดกัน: บทกวีโคลงอเล็กซานเดรียนอันงดงามซึ่งเป็นคำสารภาพอันประเสริฐแบบดั้งเดิมนี้ให้บริการเรื่องราวของ "ผู้แสวงหาเหา"

ประเพณีผสมผสานความสวยงามเข้ากับความดี - ติดตามโบดแลร์ผู้ร้องเพลง "ดอกไม้แห่งความชั่วร้าย" ริมโบด์ในโคลง "Venus Anadyomene" พรรณนาถึงเทพีแห่งความงามในหน้ากากของสิ่งมีชีวิตที่น่าเกลียดและน่าขยะแขยง "สวยงามอย่างน่าขยะแขยง" ความคิดทางวรรณกรรมที่โรแมนติกเกี่ยวกับความงามกำลังล้าสมัย - พร้อมกับอุดมคติที่ยังคงอยู่ในอดีต

สิ่งมีชีวิตที่น่าสมเพชและไร้สาระซึ่งเป็นตัวแทนของผู้หญิง ความรัก ความงาม เป็นพยานถึงสภาวะของการไม่เชื่อและการกบฏโดยสิ้นเชิงซึ่ง Rimbaud อยู่ในฤดูใบไม้ผลิปี 1871 ตาม Flaubert Rimbaud อาจกล่าวได้ว่า: "ความเกลียดชังของชนชั้นกลางเป็นจุดเริ่มต้นของคุณธรรม ” แต่ "ความโง่เขลาขั้นสุด" ทั่วไปในจิตใจของกวีได้เปลี่ยนคุณธรรมให้กลายเป็น "ดอกไม้แห่งความชั่วร้าย" อีกชนิดหนึ่งเป็น "สวยงามอย่างน่าขยะแขยง" โลกนี้ไม่มีอะไรศักดิ์สิทธิ์เหลืออยู่ การปฏิเสธทางอารมณ์ถึงจุดเดือดซึ่งพบการแสดงออกในภาพรวมเชิงสัญลักษณ์โดยรวมและในขณะเดียวกันก็เป็นภาพที่เป็นธรรมชาติตรงไปตรงมาและน่าตกใจอย่างยิ่ง

ชั่วครู่หนึ่ง การกบฏของ Rimbaud กลายเป็นเรื่องที่เป็นรูปธรรมทางการเมือง ความคิดของเขาได้รับคำตอบจากคอมมูนชนชั้นกรรมาชีพ Rimbaud อาจอยู่ในปารีสในช่วงที่มีการจลาจล บางทีอาจกำลังต่อสู้กับเครื่องกีดขวาง เห็นได้ชัดว่าคอมมูนทิ้งร่องรอยไว้ในบทกวีของริมโบด์ จุดสุดยอดของเนื้อเพลงพลเมืองของเขาคือ “The Parisian Orgy หรือ Paris is being populated again”

“Parisian Orgy” อยู่ในอันดับเดียวกับ “Retribution” ของ Hugo (ในเดือนพฤษภาคม Rimbaud เขียนว่า “ฉันมี “Retribution” อยู่ในมือ”) ตามประเพณีของมหากาพย์โรแมนติก เหนือภาพหายนะแห่งหายนะ เหนือความสนุกสนานรื่นเริง เสียงของกวีดังขึ้น และกล่าวสุนทรพจน์กล่าวหาของเขา ความรู้สึกเจ็บปวดอย่างแท้จริงที่กวีผู้นี้สัมผัสได้ ผู้ซึ่งดื่มด่ำกับความปรารถนาอันแรงกล้าจนใกล้หัวใจ ทำให้บทกวีมีลักษณะเฉพาะตัวที่ไม่ธรรมดา แต่กวีก็ลุกขึ้นยืนบนแท่นแห่งประวัติศาสตร์ ความพ่ายแพ้ของประชาคม “การตั้งถิ่นฐาน” ของปารีสเป็นสัญลักษณ์ของชัยชนะในอดีตเหนืออนาคต ซึ่งเป็นสัญญาณที่น่ากลัวของการถดถอยทางสังคม

เมื่อสูญเสียความหวังทั้งหมด Rimbaud ก็ทำลายความสัมพันธ์กับสังคม เขาหยุดเรียนรู้แม้ว่าเขาจะมีความสามารถพิเศษก็ตาม เขาใช้ชีวิตโดยบังเอิญ เพื่อไม่ให้ตายจากความหิวโหย และรีบวิ่งไปทั่วยุโรป เขาอยู่ในฝรั่งเศส เบลเยียม อังกฤษ เยอรมนี อิตาลี ฯลฯ ในยุโรปที่มีพรมแดนเรียงรายและเรียงรายไปด้วยศุลกากร Rimbaud ที่กระสับกระส่ายดูเหมือนจะเป็น การแสดงตัวตนของความท้าทายที่เกิดขึ้นกับชีวิตที่มีการจัดการทุกรูปแบบ เขาพยายามที่จะเป็นอิสระอย่างแน่นอนไม่แม้แต่จะผูกมัดตัวเองกับข้อเท็จจริงของการปรากฏตัวอยู่ในที่เดียว โดยไม่ผูกมัดตัวเองกับภาระผูกพันใด ๆ ต่อผู้คนหรือต่อกฎหมายหรือต่อพระเจ้าเอง

โปรแกรม "ญาณทิพย์" เป็นโปรแกรมของการปลดปล่อยโดยสิ้นเชิง เพราะมันเกี่ยวข้องกับการ "เข้าถึงสิ่งที่ไม่รู้โดยความผิดปกติของประสาทสัมผัสทั้งหมด"! และความพยายามดังกล่าวทำให้กวีกลายเป็น "อาชญากร" กลายเป็น "ผู้เคราะห์ร้าย" โดยพื้นฐานแล้ว นี่เป็นรายการโรแมนติก: ทั้งการเน้นบทกวีและการเน้นที่ "ฉัน" ของกวีนั้นมีแนวโน้มที่จะเกี่ยวข้องกับประเพณีมากกว่าที่จะเปรียบเทียบ "ผู้มีญาณทิพย์" กับมัน อย่างไรก็ตาม พวกโรแมนติก แม้จะคิดว่า "เฉพาะบุคคลเท่านั้นที่น่าสนใจ" ก็ถือว่าจำเป็นต้องให้ "ความหมายสากล" โดยทั่วไปแก่บุคคลนั้น ความคิดดังกล่าวเป็นสิ่งที่แปลกสำหรับ Rimbaud เขาหมกมุ่นอยู่กับ "การค้นหาตัวเอง" การลบ "การเกา" ออกจาก "ฉัน" ที่กำหนดทุกสิ่งที่มีลักษณะทางสังคมในนามของบุคคลที่มีเอกลักษณ์เฉพาะ ("เลี้ยงดูจิตวิญญาณ") อะไรจะเป็นปัจเจกบุคคลมากไปกว่าจิตวิญญาณ “อารมณ์เสีย” ไม่ว่าจะด้วยวิธีใดก็ตาม แอลกอฮอล์ ยาเสพติด ความยากจน การอดอาหารโดยเจตนาและบังคับ มิตรภาพแปลกๆ กับแวร์เลน!

ด้วยวิธีการเหล่านั้นที่ยืนยันได้อย่างชัดเจนว่า "การค้นพบตัวเอง" สันนิษฐานว่าเป็น "การหลุดพ้นจากศีลธรรม" ซึ่งเป็นการปลดปล่อยจากผู้มีอำนาจทั้งหมดที่โรแมนติกไม่เคยเบื่อหน่ายที่จะกล่าวถึง จากพระเจ้าสู่ธรรมชาติ ที่จุดเริ่มต้นของการสร้างสรรค์ "ผู้มีญาณทิพย์" ดูเหมือนจะไม่มีคุณค่าทางวัตถุ มีเพียง "ฉัน" เท่านั้นที่เป็นเบ้าหลอมซึ่งภาพบทกวีถูกหลอมละลาย เนื่องจาก "ฉัน" ถูกสร้างขึ้นโดย "ความผิดปกติของประสาทสัมผัสทั้งหมด" วิญญาณของ "ผู้มีญาณทิพย์" จึงเป็น "สัตว์ประหลาด"; บทกวี "The Drunken Ship" สามารถใช้เป็นบทนำเกี่ยวกับขั้นตอนสุดท้ายของงานของ Rimbaud

เรือที่ "เมา" ที่หลงทางและกำลังจะตายเป็นสัญลักษณ์ที่ชัดเจนของกวีซึ่งเป็นจิตวิญญาณของเขาที่เริ่มต้นการผจญภัยที่มีความเสี่ยง เรือลำนี้เป็นภาพเชิงเปรียบเทียบ ซึ่งเป็นภาพของ "คนเดินเรือ" ซึ่งภายนอกและภายในผสานเข้าด้วยกัน ทำให้เกิดความรู้สึกถึงการเกิดขึ้นของพลังที่สาม ซึ่งไม่สามารถลดเหลือเพียงเรือหรือกวีได้ นี่คือความแตกต่างที่สำคัญระหว่าง "การมีญาณทิพย์" และอิมเพรสชันนิสม์ของ Verlaine และความแตกต่างนี้มีสาระสำคัญของสัญลักษณ์ “ความลึกลับ” ที่กำลังอุบัติขึ้น ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นบางอย่างที่ไม่อยู่ภายใต้คำจำกัดความเชิงตรรกะ ต้องใช้เทคนิคบทกวีพิเศษ เทคนิคการพาดพิง “การชี้นำ”

ดังนั้นความสำคัญของโคลง "สระ" จึงเป็นการประกาศบทกวีดังกล่าว ไม่ว่าอะไรก็ตามที่กระตุ้นให้ Rimbaud สร้างโคลงนี้ การเปรียบเทียบเสียงสระกับสีบ่งบอกถึงการละเลยคำนี้ในฐานะหน่วยความหมาย ในฐานะสื่อความหมายบางอย่างและการสื่อสารที่มีความหมาย เมื่อแยกออกจากบริบทเชิงความหมาย เสียงเมื่อเปรียบกับสี กลายเป็นผู้ถือฟังก์ชันอื่น หน้าที่ของ "คำแนะนำ" "การชี้นำ" ด้วยความช่วยเหลือในการค้นพบ "ไม่ทราบ"

เทคนิควรรณกรรมดังกล่าวจัดทำขึ้นแล้วโดยหลักการ "ดนตรี" ของ Verlaine (ไม่ต้องสงสัยเลยว่ามีอิทธิพลโดยตรงต่อ Rimbaud) แต่อิมเพรสชั่นนิสต์ยังคงรักษาทั้งภาพลักษณ์ของจิตวิญญาณที่กำหนดและภาพลักษณ์ที่เป็นธรรมชาติที่เฉพาะเจาะจงในขณะที่ Rimbaud ทุกสิ่งที่เรียบง่ายและจับต้องได้จะกลายเป็นสิ่งที่จำไม่ได้ เอฟเฟกต์เชิงสุนทรีย์ของบทกวีสุดท้ายที่เขียนในปี พ.ศ. 2415 ถูกกำหนดโดยการผสมผสานที่น่าตกใจของสิ่งที่ง่ายที่สุดและซับซ้อนที่สุด

อาจดูเหมือนว่าบทกวีสุดท้ายของ Rimbaud เป็นเหมือนภาพร่างการเดินทางที่เขียนโดยกวีผู้ช่างสังเกตมากระหว่างการเดินทางของเขา นี่คือบรัสเซลส์ ซึ่ง Rimbaud มาเยือนบ่อยมาก นี่คือคนพเนจรเหนื่อยดื่มเหล้า เขาจึงเล่าเรื่องความคิดของตนในตอนเช้า เรื่อง “คู่หนุ่มสาว” ที่อาจพบกันระหว่างทางเหมือนที่เขาเจอ “แม่น้ำแบล็คเคอร์แรนท์” มันเหมือนกับการเลือกหัวข้อแบบสุ่ม "บังเอิญ" เพราะมันไม่ใช่ประเด็น ความประทับใจที่แท้จริงถูกรวบรวมไว้เป็นลูกบอลหนาแน่น โลกทั้งใบถูกดึงดูดเข้าสู่สภาวะจิตใจที่กำหนด ในขณะที่สภาวะของจิตวิญญาณสะท้อนให้เห็นในทุกสิ่ง ภูมิทัศน์ลึกลับถูกสร้างขึ้นนอกเวลาและอวกาศ ในเวลาเดียวกัน (ฤดูร้อนปี 1872) ภายใต้อิทธิพลของความประทับใจเดียวกัน "Brussels" ของ Verlaine และ "Brussels" ของ Rimbaud ถูกเขียนขึ้น แต่บทกวีของ Verlaine อ่านเหมือนว่าใคร ๆ ก็สามารถพูดได้ว่าเป็นคำอธิบายที่สมจริงของภูมิทัศน์ของบรัสเซลส์ถัดจากสิ่งที่แปลกประหลาดนั้น ความฝัน ซึ่งกระเด็นออกมาในการสร้างสรรค์ของ Rimbaud ทุกสิ่งที่นี่เป็นสัญลักษณ์ทุกอย่างเป็นเชิงเปรียบเทียบโดยนัยถึงขั้นตอนลึกลับบางอย่าง "ไม่ทราบ" "มหัศจรรย์" ซึ่งตั้งรกรากอยู่ใน "ทุกวัน" ต้องขอบคุณ "ข้อมูลเชิงลึก" ที่มาเยี่ยมกวี

“แสงสว่าง” เป็นชื่อวงจรของ “กลอนร้อยแก้ว” ที่เกิดขึ้นในสมัย ​​“ญาณทิพย์” และในงานนี้ Rimbaud ยังคงความสามารถในการ "มองเห็น" ไว้ เศษของ “แสงสว่าง” ดูเหมือนเป็นภาพวาดที่มองเห็นได้ กระชับ กะทัดรัด เรียบเรียงราวกับมาจากวัสดุที่อยู่ใกล้มือ อย่างไรก็ตาม ความเรียบง่ายของ "หยั่งรู้" นั้นปรากฏชัดเจน เพียงแต่บดบังความซับซ้อนที่ไม่ธรรมดาของผลของ "การมีญาณทิพย์"

ไม่มีชิ้นส่วนใดที่ประกอบกันเป็นวัฏจักรที่สามารถตีความได้อย่างเพียงพอ แต่ "การส่องสว่าง" โดยรวมแล้ววาดภาพที่ไม่คลุมเครือ: นี่คือภาพของบุคลิกภาพที่แข็งแกร่งและไม่ธรรมดาซึ่งเต็มไปด้วยความหลงใหลอันทรงพลังซึ่งสร้างโลกทั้งใบด้วยมือของเขา จินตนาการอันไร้ขอบเขตและความพร้อมที่จะไปสู่จุดจบ รู้สึกว่า "ฉัน" อยู่ที่ขีดจำกัด สมดุลกับขอบที่เป็นอันตราย ตระหนักถึงเสน่ห์แห่งความทรมาน ความน่าดึงดูดใจของเหว มันสร้างจักรวาลของมัน ซึ่งปฏิบัติการร่วมกับนภา และผืนน้ำ และรูปแบบของสรรพสิ่งและสสารของมัน ในห้วงอวกาศแห่ง "แสงสว่าง" มีเวลาของมันเอง การวัดสิ่งต่าง ๆ ของมันเอง ซึ่งไม่มีประวัติศาสตร์ รวบรวมประสบการณ์ของมนุษย์ทั้งหมดในช่วงเวลาของประสบการณ์อันเข้มข้นโดยบุคคลใดบุคคลหนึ่ง

โดยธรรมชาติแล้ว การสร้างความสร้างสรรค์แบบสุดโต่งไม่สามารถเกิดขึ้นได้ภายในรูปแบบดั้งเดิมที่ได้รับการควบคุมอย่างเข้มงวด พร้อมกันกับ Verlaine และในลักษณะเดียวกัน Rimbaud ได้ปลดปล่อยกลอนและในที่สุดก็ได้ยกตัวอย่างแรกของกลอนอิสระ ในส่วนหนึ่งของ "แสงสว่าง" มีบทกวีสองบท "ซีสเคป" และ "การเคลื่อนไหว" ซึ่งเขียนในบทกวีดังกล่าว ปราศจากสัมผัส จากบางเมตร จาก "บรรทัดฐาน" ใด ๆ กลอนดังกล่าวใกล้เคียงกับร้อยแก้วบทกวีอยู่แล้วแม้ว่าร้อยแก้วของ "แสงสว่าง" จะไม่ได้มีจังหวะของตัวเองซึ่งสร้างขึ้นโดยน้ำเสียงทางอารมณ์ทั่วไปบางครั้งก็ยาวขึ้นบางครั้งก็สั้นลงวลีซ้ำ ๆ การผกผันการแบ่งออกเป็นบทพิเศษ แบบฟรี.

อิสรภาพอันสมบูรณ์ของ Rimbaud สามารถบรรลุถึงขีดจำกัดเท่านั้น โดยปฏิเสธแม้แต่ "การมีญาณทิพย์" โดยการปฏิเสธบทกวี ในฤดูร้อนปี พ.ศ. 2416 "ฤดูกาลในนรก" เกิดขึ้น ซึ่งเป็นการปฏิเสธตนเอง การวิจารณ์ตนเองที่ก้าวร้าวและไร้ความปราณี ริมโบด์ประณาม "การมีญาณทิพย์" เขาระบุหลักการพื้นฐานที่เสื่อมโทรมของการทดลองวรรณกรรมนี้อย่างแม่นยำ ประเมินการสูญเสียความเป็นสังคมในอุดมคติที่โจ่งแจ้งและผลลัพธ์ของมัน - การทำลายล้างของแต่ละบุคคล Rimbaud ตระหนักดีว่าความเสื่อมโทรมดังที่ใช้กับเขานั้น ไม่ได้ลดลงเลยด้วยซ้ำ แต่เป็นการตกต่ำ ซึ่งเป็นการตกต่ำตามความหมายที่แท้จริงและน่าอับอายที่สุดของคำนี้ และริมโบด์สารภาพว่า "รักหมู" โดยไม่ละอายใจที่จะแสดงสิ่งสกปรกที่เขาหมกมุ่นมาหลายปี

“A Season in Hell” เป็นตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของร้อยแก้วสารภาพ มันอาจดูเหมือนเป็นผลมาจากการกระทำที่เกิดขึ้นเอง การพัฒนาความรู้สึกอย่างกะทันหัน แต่มันมีระบบและความสมบูรณ์ของตัวเอง “ฤดูกาล” เป็นร้อยแก้วที่เป็นจังหวะ แบ่งออกเป็น “บท” “บท” และ “บท” โดยใช้อุปกรณ์วาทศิลป์และผลัดกันต่างๆ และด้วยพลวัตภายในของมันเองซึ่งถูกกำหนดพร้อมกันโดยการเดินทางผ่านนรกและการประเมินการเดินทางครั้งนี้ การเคลื่อนไหวจากการยอมรับความผิด (“ฉันดูถูกความงาม”) ไปสู่คำให้การ จากคำให้การที่ประนีประนอมกับ “ผู้มีญาณทิพย์” ไปจนถึงคำตัดสิน .

คำตัดสินดังกล่าวเป็นการประณาม "การมีญาณทิพย์" ตามมาด้วยการจากลาด้วยบทกวี ในจิตวิญญาณของ Rimbaud - เด็ดขาดและเพิกถอนไม่ได้ ในปี พ.ศ. 2423 ริมโบด์ออกจากยุโรป ไปถึงไซปรัส อียิปต์ และตั้งรกรากอยู่ในเอธิโอเปียตลอดชีวิตอันแสนสั้นของเขา เขามีส่วนร่วมในการค้าขาย เข้ากับคนในท้องถิ่นได้อย่างรวดเร็ว เรียนรู้ศีลธรรมและประเพณีในท้องถิ่น และดูเหมือนจะลืมไปว่าครั้งหนึ่งเขาเคยเป็นกวี เมื่อหมดการทดลองเรื่อง "การมีญาณทิพย์" เขาถือว่าความเป็นไปได้ของบทกวีหมดลง

มัลลาร์เมถือว่าความเป็นไปได้เหล่านี้ไม่มีที่สิ้นสุด เนื่องจากในความเห็นของเขา "โลกมีอยู่เพื่อให้คัมภีร์เกิดขึ้นได้" อย่างไรก็ตาม Stéphane Mallarmé (1842-1898) เริ่มต้นด้วยแนวโรแมนติกด้วยความหลงใหลใน Hugo กวีของ Parnassus, Baudelaire และ Edgar Allan Poe เพื่อประโยชน์ในการอ่านซึ่งเขาเรียนภาษาอังกฤษ (ต่อมาเขากลายเป็นครูสอนภาษานี้ ). เขาชื่นชม Verlaine ผู้กบฏต่อความไม่แยแสของชาว Parnassians และตัวเขาเองมองหา "วิธีพิเศษในการจับภาพความประทับใจที่หายวับไป" บทกวีของMallarméในยุค 60 ค่อนข้างดั้งเดิมและโรแมนติกในความรู้สึกชั่วร้ายในอาณาจักรที่ดอกไม้แห่งความงามอันไม่เสื่อมคลายเติบโต

การค้นหา "แนวทางพิเศษ" ทำให้ Mallarmé กลายมาเป็นตัวแทนสัญลักษณ์ที่โดดเด่นที่สุด บทกวีบทแรกของเขาได้รับการตีพิมพ์ในปี 1862 แต่สองปีต่อมาเขาเขียนว่า "ในที่สุดฉันก็ได้เริ่ม Herodias ของฉัน" ด้วยความกลัว ขณะที่ฉันประดิษฐ์ภาษาที่จะไหลออกมาจากบทกวีใหม่ๆ... เพื่อวาดภาพไม่ใช่สิ่งของ แต่ให้ผลที่จะเกิดขึ้น บทกวีในกรณีนี้ไม่ควรประกอบด้วยคำพูด แต่ประกอบด้วยความตั้งใจ และทุกคำจางหายไปก่อนที่จะเกิดความประทับใจ ... " การต่อต้าน "สิ่งของ" อย่างเด็ดขาดกับ "ผลกระทบ" การแยกวัตถุประสงค์และอัตนัย หมายถึงการปรับทิศทางของศิลปะ “จิตวิญญาณของฉันหยั่งรากอยู่ในนิรันดร์”, “ความคิดของฉันคิดเองและบรรลุความรู้อันบริสุทธิ์”, “บทกวีคือการแสดงออกของความหมายลึกลับของการดำรงอยู่” - คติพจน์ดังกล่าวฟังดูเหมือนความหลงใหลใน Mallarme ซึ่งเปลี่ยนความสัมพันธ์ของ "สิ่งของ" และ " ผล” กลับหัวกลับหางมากจนกวีสงสัยในความเป็นจริงของตนเอง (“ตอนนี้ฉันไร้หน้าและไม่ใช่สเตฟานที่คุณรู้จัก แต่เป็นความสามารถของพระวิญญาณในการไตร่ตรองตนเองและพัฒนาตนเองผ่านสิ่งที่ฉันเป็น”)

“ในใจของฉันคือความสั่นสะเทือนแห่งนิรันดร์” มัลลาร์เมเขียน “ความสั่นสะท้าน” ดังกล่าวสามารถแสดงออกได้เฉพาะใน “วิธีพิเศษ” เท่านั้น การวาดภาพไม่ใช่สิ่งของ แต่ "เอฟเฟกต์" คือ "วิธีพิเศษ" มันถูกสร้างขึ้นทั้งภายใต้ปากกาของ Verlaine เนื่องจากเขาเรียกร้อง "ดนตรีก่อนอื่น" และเขียน "ความรักที่ไม่มีคำพูด" และภายใต้ปากกาของ Rimbaud เนื่องจากเสียงสระเปรียบเสมือนดอกไม้ - วิธีการนี้เรียกว่า "การชี้นำ" Mallarmé ต่อต้านประเพณี โดยเฉพาะอย่างยิ่งชาว Parnassians กับ "การพรรณนาสิ่งต่าง ๆ โดยตรง" ด้วยศิลปะแห่ง "คำใบ้" "ข้อเสนอแนะ" ซึ่งรวบรวมแนวปฏิบัติที่สร้างสรรค์ของกวีในรุ่นของเขาไว้ในสูตรที่เข้มงวด

ด้วยการกำกับความพยายามทั้งหมดของเขาไปสู่เป้าหมายนี้ Mallarmé ขยับออกห่างจากแหล่งที่มาของความประทับใจที่แท้จริงมากขึ้นเรื่อยๆ การเปรียบเทียบเชิงอัตวิสัยไม่มีที่สิ้นสุดมีความซับซ้อนมากขึ้น บดบังการเปรียบเทียบที่โปร่งใสของบทกวีบทแรกๆ คำย่อคงที่, วงรี, การผกผัน, การลบคำกริยา - ทุกสิ่งสร้างความรู้สึกลึกลับ งานสร้างสรรค์เองก็กลายเป็นศีลระลึก แต่ละคำได้รับความหมายพิเศษในรหัสบทกวีของMallarmé และกวีใช้เวลาหลายชั่วโมงในการค้นหาแต่ละคำ

Mallarmé แสวงหาความสมบูรณ์แบบแห่งความงามอันสมบูรณ์แบบที่รวบรวมความเป็นนิรันดร์ ด้วยเหตุนี้เขาจึงเขียนบทกวีน้อยมากเพียงประมาณหกโหลเท่านั้น (อย่างไรก็ตามเราต้องเพิ่ม "บทกวีสำหรับโอกาส" "บทกวีสำหรับอัลบั้ม") หลายสิบบท แต่ละรายการเป็นองค์ประกอบที่รอบคอบและเสร็จสิ้นอย่างพิถีพิถันโดยที่แต่ละรายละเอียดอยู่ภายใต้การควบคุมทั้งหมดเนื่องจากMallarméไม่สนใจเกี่ยวกับความหมาย แต่เกี่ยวกับ "ภาพลวงตา" พิเศษของโครงสร้างวาจาซึ่งเป็น "ภาพสะท้อน" ของคำร่วมกัน โดยทั่วไปMallarméจะยึดถือรูปแบบดั้งเดิมซึ่งเผยให้เห็นความเชื่อมโยงตามธรรมชาติระหว่างบทกวีของนักสัญลักษณ์นี้กับรุ่นก่อนของเขาซึ่งเป็นเรื่องโรแมนติกของศตวรรษที่ 19 อย่างไรก็ตาม "ภาพลวงตา" ยังปลดปล่อยบทกวีของMallarmé แม้จะมีเหตุผลที่เข้มงวดของเขา พวกเขาก็ผลักดันเขาไปสู่ความเป็นธรรมชาติทางดนตรี

Mallarméขอให้บทกวีสุดท้ายของเขา "Luck Never Abolishes Chance" (1897) ถือเป็น "คะแนน" ข้อความที่ผิดปกตินี้มีจุดมุ่งหมายเพื่อ "เสียง" โดยที่ช่องว่าง "ความว่างเปล่า" มีความหมายเดียวกับคำซึ่งในทางกลับกัน "ฟัง" แตกต่างกันไปขึ้นอยู่กับความแตกต่างในแบบอักษรและตำแหน่งบนหน้า: บทกวีไม่ควรได้ยินเพียงเท่านั้น แต่ยังได้เห็นและเข้าใจความลับของความสมบูรณ์แบบของกราฟิกอีกด้วย

นี่คือวิธีการสร้างวิหารแห่งบทกวีโดยที่Mallarméทำหน้าที่เป็นนักบวชของลัทธิใหม่ สิ่งนี้เผยให้เห็นคุณสมบัติอีกอย่างหนึ่งของสัญลักษณ์ในฐานะศิลปะของชนชั้นสูงซึ่งมีจุดประสงค์เพื่อคนเพียงไม่กี่คนที่ได้รับการคัดเลือก ที่ไหนสักแห่งใต้ดินที่ซ่อนเร้นจากสายตา สาเหตุทางสังคมและส่วนตัวของความแปลกแยกของกวีที่เห็นได้ชัดเจนทั้งใน Verlaine และ Rimbaud ตามบทกวีเชิงสัญลักษณ์ของMallarmé เป็นไปไม่ได้ที่จะตรวจพบความผิดหวังอย่างสุดซึ้งของเขา "ในภาพลวงตาทางการเมืองทั้งหมด" การปฏิเสธ "ฝูงชน" อย่างสุดซึ้งด้วยความไร้สาระ ความรู้สึกโศกเศร้าของความเหงาและความหายนะ ซึ่งบังคับให้เขาใช้ชีวิตอยู่กับความคิดที่คงที่ ของการฆ่าตัวตาย

ทั้งหมดนี้ทิ้งบทกวีไว้พร้อมกับการจากไปของโลกแห่ง "สิ่งของ" ที่แท้จริง Mallarmé เขียนน้อย เขียนน้อยลง และเกือบจะเงียบไปเพราะเนื้อหาของบทกวีของเขา ซึ่งเป็นตัวละครหลัก - แนวคิด - ดูราวกับความว่างเปล่ามากขึ้นเรื่อยๆ ไม่พบเนื้อหาเชิงปรัชญาที่สำคัญซึ่งโดยธรรมชาติแล้วกระตุ้นให้ใช้ความพยายามทั้งหมดในการขัดเกลาสไตล์อย่างขยันขันแข็ง - กวีนิพนธ์กลายเป็นกิจกรรมที่พอเพียงและพอใจในตนเองโลกดำรงอยู่เพื่อให้หนังสือเกิดขึ้น

บุคคลสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 มีให้เห็นในMallarméโดย Paul Claudel (พ.ศ. 2411-2498) กวีและนักเขียนบทละครที่ใหญ่ที่สุดของ "Catholic Renaissance" ในวรรณคดีฝรั่งเศสแห่งศตวรรษที่ 20 Claudel รู้จัก Mallarmé เป็นอย่างดี เข้าร่วมงานเขียนบทกวีช่วงเย็นทุกสัปดาห์ และฟังบทเรียนของอาจารย์ ตามที่คลอเดลกล่าวไว้ กวีคนนี้เป็นจุดสุดยอดของ "ลัทธิทำลายล้างแห่งศตวรรษที่ 19" การปลดปล่อยจิตวิญญาณจากพลังแห่งสสาร จากการกดขี่ "รูปลักษณ์ภายนอก" และการตระหนักว่ามนุษย์ "ถูกสร้างขึ้นเพื่อครองโลก ” อย่างไรก็ตาม เมื่อมุ่งการจ้องมองของเขาเหนือเปลือกที่มองเห็นได้ ไปยังแกนกลางของปรากฏการณ์ โดยถ่ายทอดบทกวีจากขอบเขตของความรู้สึกไปยังขอบเขตของแนวคิด Mallarmé พบว่าตัวเองกำลังเผชิญกับ "การขาดหายไป" ความเงียบที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ ตามคำกล่าวของคลอเดล ทางออกจากทางตันนี้เป็นไปได้เฉพาะในเส้นทางของการกลับคืนสู่ศาสนา สู่พระเจ้าเท่านั้น

Andre Gide ซึ่งไปเยี่ยมชม "วันอังคาร" ของMallarméด้วยและไม่ได้ปิดบังความชื่นชมในทักษะของกวีในปีที่Mallarméเสียชีวิตร้องอุทานว่า: "การติดตามMallarméคือความบ้าคลั่ง!" กิเดเรียกร้องให้หันมาใช้ชีวิตในฐานะแหล่งศิลปะ กลุ่มกวีและนิตยสารวรรณกรรมหลายกลุ่มที่เกิดขึ้นในปารีสภายในปี 1900 ได้ประกาศปฏิเสธการใช้สัญลักษณ์อย่างเด็ดขาด “หอคอยงาช้าง” ที่กวีปีนขึ้นไปนั้นดูผิดสมัย ไม่สามารถทนต่อการโจมตีของปัญหาสังคมและคำถามเรื่องการดำรงอยู่ของมนุษย์ได้

ศตวรรษใหม่กำลังเข้าใกล้งานศิลปะ น่าตื่นเต้นด้วยนวัตกรรม และ "ความทันสมัย" ที่น่าดึงดูด "จุดสิ้นสุดของศตวรรษ" แต่งแต้มด้วยความรู้สึกของการสิ้นสุด; “จุดเริ่มต้นของศตวรรษ” - ความรู้สึกของมุมมองที่เปิดกว้าง การมองโลกในแง่ร้ายที่เสื่อมโทรมถูกแทนที่ด้วยการมองโลกในแง่ดี ความซับซ้อนที่โฆษณาด้วยความเรียบง่ายที่แสดงให้เห็น ความลึกลับด้วยการเปิดกว้าง ชีวิตได้รับการเปิดเผยด้วยความเข้าใจที่กว้างที่สุดและไม่แน่นอนที่สุดเกี่ยวกับแหล่งที่มาของการฟื้นฟูงานศิลปะนี้ เช่นเดียวกับที่แท้จริงแล้ว แนวคิดเรื่องการต่ออายุนั้นไม่มีกำหนดเช่นกัน

“The New Spirit and the Poets” (1918) เป็นชื่อบทความของ Apollinaire ซึ่งฟังดูดังราวกับการประกาศของกวีรุ่นใหม่ ซึ่งเป็นรุ่นแห่งการเริ่มต้นศตวรรษใหม่

แถลงการณ์นี้เสร็จสิ้นการเดินทางระยะสั้นของ Guillaume Apollinaire (นามแฝง Kostrovitsky, 1880-1918) กวีชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงที่สุดและเป็นแบบอย่างมากที่สุดแห่งต้นศตวรรษ ทุกสิ่งถูกกำหนดให้เขารับบทบาทดังกล่าวโดยเริ่มจากต้นกำเนิดของเขา: ลูกชายนอกกฎหมายของหญิงชาวโปแลนด์และอาจเป็นเจ้าหน้าที่ชาวอิตาลี Apollinaire มีแนวโน้มที่จะทำให้ลำดับวงศ์ตระกูลของเขาลึกลับซึ่งทำให้สามารถปรากฏเป็น "พลเมืองของ โลก” เปิดกว้างสำหรับทุกสิ่งที่เป็นไปได้ แนวโน้ม มันเป็นสัญญาณของเวลา: ใน "วันอังคาร" Mallarméฟังอาจารย์ - Apollinaire ฟัง "วิญญาณใหม่" ของยุคใหม่

ในบรรดาความหลงใหลในวรรณกรรมของ Apollinaire สถานที่ที่โดดเด่นที่สุดถูกครอบครองโดยกวีชาวฝรั่งเศส, โรแมนติก, Verlaine, Rimbaud, Mallarmé แม้ว่าเขาจะเชี่ยวชาญภาษาฝรั่งเศสในขณะที่อยู่ในโรงเรียนสงฆ์ทางตอนใต้ของฝรั่งเศส (เขาเกิดในกรุงโรม ภาษาแม่ของเขา ​​เป็นภาษาโปแลนด์และภาษาอิตาลี) Apollinaire เริ่มต้นจากการเป็นกวีแบบดั้งเดิม ประสบการณ์แรกของเขาถูกกระตุ้นโดยความรัก ครั้งแรกในช่วงฤดูร้อนในประเทศเบลเยียม (ในปี พ.ศ. 2442) และจากนั้น โดยเฉพาะอย่างยิ่งระหว่างการเดินทางไปเยอรมนี (พ.ศ. 2444-2445) ซึ่ง Apollinaire พบว่าตัวเองอยู่ใน บทบาทของครูสอนภาษาฝรั่งเศสในครอบครัวของเคานต์และสถานที่ที่เขาได้รับความรักจากผู้ปกครองชาวอังกฤษมาเยี่ยมเขา

ความประทับใจจากประเทศเยอรมนีและประสบการณ์แห่งความรักได้จุดประกายให้เกิดบทกวีที่เรียกว่า "วงจรไรน์" ซึ่งความเชื่อมโยงกับประเพณีโรแมนติกและสัญลักษณ์ถูกรวมเข้ากับการรับรู้ทางอารมณ์อย่างลึกซึ้งของอุปกรณ์โรแมนติกของชาวเยอรมัน การดูดซึมของธีมและจังหวะของชาวเยอรมัน เพลง. งานของ Apollinaire ยังรวมถึงต้นกำเนิดของชาวสลาฟด้วยซึ่งกวีให้ความสำคัญอย่างยิ่งเสมอมา แม้ว่าอดีตทางวัฒนธรรม มรดกคลาสสิก ยังคงรักษาคุณค่าที่ยั่งยืนสำหรับ Apollinaire ไว้อย่างสม่ำเสมอ แต่แหล่งข้อมูลนี้ไม่เพียงพอสำหรับกวีแห่งต้นศตวรรษที่ 20 หลังจาก "วงจรแม่น้ำไรน์" เขาเขียนเพียงเล็กน้อย การเคลื่อนไหวของเขาช้าลงอย่างเห็นได้ชัด

เมื่อไม่มีปัจจัยยังชีพ Apollinaire จึงถูกบังคับให้หาเงินด้วยวิธีต่างๆ ทำทุกอย่างที่ขวางหน้า ในเวลาเดียวกันเขาดำดิ่งลึกลงไปในชีวิตชาวปารีสที่แปลกประหลาดมากขึ้นเรื่อย ๆ เข้าใกล้โบฮีเมียศิลปะหลากภาษาที่มีความหลากหลายมากขึ้นไปจนถึงศิลปินและนักเขียนที่ยากจนซึ่งจิตวิญญาณของศิลปะใหม่ได้เติบโตเต็มที่ ปาโบล ปิกัสโซ ชาวสเปนกลายเป็นบุคคลสำคัญอย่างรวดเร็ว การพบปะกับเขาในปี พ.ศ. 2447 มีบทบาทสำคัญในการสร้างสุนทรียภาพใหม่ของ Apollinaire ภาพวาดใหม่นั้นคาดไม่ถึงและน่าตกตะลึงซึ่งอดไม่ได้ที่จะดึงดูดนักกวีที่กำลังเดิมพันการต่ออายุ

ในปีพ. ศ. 2456 Apollinaire ได้ตีพิมพ์หนังสือ "Cubist Artists" ซึ่งเขาได้ประกาศถึงการเกิดขึ้นของ "งานศิลปะใหม่ที่สมบูรณ์" ซึ่งมีพื้นฐานมาจากตรงกันข้ามกับงานศิลปะแบบดั้งเดิม "ไม่ใช่การเลียนแบบ แต่อยู่ในแนวคิด" "วิสัยทัศน์" ที่ตรงกันข้าม " ความเข้าใจ” ในรูปแบบ “ไวยากรณ์” รูปภาพ จึงใช้ภาษาเรขาคณิต Apollinaire สารภาพรักต่อ "ศิลปะใหม่" อิทธิพลโดยตรงของเขาที่มีต่อกวีนั้นชัดเจนแม้ว่าเขาจะรักษาระยะห่างไว้อย่างชัดเจนก็ตาม

ตามรอยกวีแห่งปลายศตวรรษ Apollinaire เชื่อว่าเส้นทางหลักของการพัฒนานำไปสู่การสร้าง "การสังเคราะห์ศิลปะ - ดนตรี ภาพวาด และวรรณกรรม" ในบทความเรื่อง “วิญญาณใหม่และกวี” เขาตั้งคำถามถึงความจำเป็นในการ “เขียนเป็นร้อยแก้วหรือเขียนเป็นกลอน” โดยปฏิบัติตามหลักไวยากรณ์หรือบรรทัดฐานของการใช้ฉันทลักษณ์ แม้แต่บทกวีอิสระสำหรับ Apollinaire ก็เป็นเพียงแรงกระตุ้นแรกสู่เสรีภาพทางศิลปะซึ่งเกิดขึ้นได้เฉพาะในเส้นทางของการสังเคราะห์เท่านั้นนั่นคือการสร้าง "การแต่งบทเพลงด้วยภาพ" Apollinaire ชี้ให้เห็นถึงการค้นพบทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยี ถึง "ภาษาใหม่" ของภาพยนตร์ และเครื่องบันทึกเสียงซึ่งเป็นวิธีการในการฟื้นฟูภาษากวี

การค้นหารูปแบบใหม่ใน "สุนทรียภาพใหม่" ของ Apollinaire นั้นอยู่ภายใต้ความน่าสมเพชหลัก - "การค้นหาความจริง" การแสดงออกของ "ความมัวเมากับชีวิต" การค้นพบ "ความเป็นจริงใหม่" "จิตวิญญาณใหม่" ไม่มีการชี้แจงแนวคิดเหล่านี้และ "ทุกสิ่ง" อย่างแท้จริงถูกวางไว้ภายในขอบเขตของพวกเขา ทุกสิ่งที่ดึงดูดความสนใจและเป็นแรงบันดาลใจ ที่ทำให้ประหลาดใจ - และแม้แต่ "ความประหลาดใจ" นี้เอง ซึ่ง Apollinaire ถือว่า "พลังที่ทรงพลังที่สุดของสิ่งใหม่"

“ความเป็นจริงใหม่” เปลี่ยนแปลงไปตามธรรมชาติ “ทุกสิ่ง” เปลี่ยนแปลงในเนื้อหา “ความประหลาดใจ” ที่เกิดขึ้นเมื่อเผชิญหน้ากับภาพเขียนแบบ Cubist เป็นเรื่องหนึ่ง “ความประหลาดใจ” จากการปะทะกับความเป็นจริงของสงครามโลกครั้งที่สองก็เป็นอีกเรื่องหนึ่ง บางครั้ง Apollinaire ก็ "ประหลาดใจ" และโดยแท้จริงแล้ว เราจะต้องไม่ละสายตาจากความหลงใหลใน "เกม" ที่มีต่อคนธรรมดาสามัญที่น่าตกตะลึง "ชนชั้นกลาง" ซึ่งเติมแต่งประสบการณ์สุนทรียศาสตร์ของศิลปะแนวหน้า

“ Calligrams”, “บทกวี-ภาพวาด” ตัวอย่างที่ค่อนข้างไร้เดียงสาของเนื้อเพลง “ภาพ” ในความหมายที่แท้จริงของคำยังคงเป็นตัวอย่างของการทดลองที่บริสุทธิ์ อย่างไรก็ตาม "ภาพวาด" ดังกล่าวแสดงให้เห็นความต้องการของ Apollinaire ในเรื่อง "ความสมบูรณ์" บางอย่าง อย่างน้อยก็ในภาษา "ทั้งหมด" ใหม่ ซึ่งเป็นการสังเคราะห์ภาพทางวาจาและกราฟิก รูปภาพด้วยวาจาปรากฏบน "ผืนผ้าใบ" บนหน้าที่กำหนดในพารามิเตอร์เชิงพื้นที่รวมสิ่งที่ "วาด" ในคำที่มีช่องว่างด้วยความว่างเปล่านั่นคือด้วยเสียงบางอย่างของข้อความ Apollinaire ไม่ได้ซ่อนการพึ่งพาการทดลองของเขาใน "บทกวีใหม่" ของMallarméในบทกวี "โชคจะไม่มีวันยกเลิกโอกาส"

“Calligrams” เป็นการตระหนักรู้ถึงแนวโน้มที่นำไปสู่การปลดปล่อยบทกวี ซึ่งก้าวข้ามขอบเขตของบทกวีอิสระอย่างแท้จริง อย่างไรก็ตาม Apollinaire ผู้ริเริ่มที่กล้าหาญไม่เคยแยกจากอดีตและไม่ลืมคุณค่าของความคลาสสิก ในคอลเลกชัน "Alcohols" (1913) Apollinaire พบสถานที่สำหรับบทกวีที่สร้างขึ้นในช่วงเวลาต่างๆ รวมถึงบทกวี "Rhine" ด้วยเหตุนี้จึงรักษาเส้นทางทั้งหมดของเขาไว้โดยไม่ยอมแพ้อะไรเลย กลอนอิสระอยู่ร่วมกับมิเตอร์แบบดั้งเดิม ซึ่งมักรวมอยู่ในโครงสร้างบทกวีที่ "ถูกต้อง" ซึ่งกวีมีความหลากหลายและเปลี่ยนแปลงอย่างอิสระ เมื่อถึงเวลาที่คอลเลกชันนี้ได้รับการตีพิมพ์ Apollinaire ได้ละทิ้งเครื่องหมายวรรคตอนโดยสิ้นเชิงเพื่อใช้ในการบังคับจังหวะของบทกวี

คอลเลกชัน "Alcohols" เปิดขึ้นด้วยบทกวี "Zone" ซึ่งเป็นตัวอย่าง "บทเพลงใหม่ของ Apollinaire" เสรีภาพที่ต้องการนั้นเกิดขึ้นที่นี่ทั้งในระดับความคิด - โลกเก่า ไอดอลในอดีตถูกท้าทาย พระคริสต์เองก็ถูกลดระดับให้เป็นเครื่องจักรที่บินได้ และในระดับของรูปแบบ - กวีที่มีอิสรเสรีแสดงออกในบทกวีที่เป็นอิสระอย่างแน่นอน . ดูเหมือนว่าการสร้างสรรค์ได้หลุดพ้นจากกฎเกณฑ์ที่กวีแต่งขึ้นขณะเดินทางและเดินและห้องทดลองสร้างสรรค์ของเขาอยู่บนถนนท่ามกลางคนกลุ่มแรก ๆ ที่เขาพบ เชิงมุม กว้างไกล ไม่ลงรอยกันอย่างท้าทาย "น่าเกลียด" (Apollinaire ไม่สามารถทนต่อ "รสนิยม" ประเภทเดียวกันได้) บทกวีนี้ไม่สามารถนำมาประกอบกับประเภทใดประเภทหนึ่งได้ มันถูกเขียนขึ้นภายใต้ความประทับใจของความรักที่ไม่ประสบความสำเร็จอีกครั้งซึ่งกวีประสบอย่างเจ็บปวดและโดยทั่วไปแล้วมันเป็นคำสารภาพซึ่งเป็นภาพที่ตรงไปตรงมาอย่างยิ่งของความทุกข์และความเหงา - มันเป็นภาพที่ "ฉัน" กลายเป็น "คุณ" ทันทีคือ ดูเหมือนว่ากวีผู้สารภาพจะมองดูตัวเองจากด้านข้างและเห็นฮีโร่ผู้ยิ่งใหญ่แล้ว ติดตามการกระทำและการเคลื่อนไหวของเขา

การเปลี่ยนจาก "ฉัน" เป็น "คุณ" เป็นเทคนิคพร้อมกันที่เป็นรากฐานของการแต่งบทกวี ซึ่งยืมมาจากภาพวาดสมัยใหม่ ในกระแสต่อเนื่อง ณ เวลาที่กำหนด บนหน้าที่กำหนด เหตุการณ์ต่างๆ จะเกิดขึ้นในเวลาที่ต่างกันและในสถานที่ต่างกัน การกระจุกตัวของเวลาและพื้นที่นี้เป็นวิธีการหนึ่งในการสร้าง "ความสมบูรณ์" ขึ้นมาใหม่ บทกวีพร้อมที่จะระบุตัวตนกับจักรวาล ความประทับใจของ "ความเปิดกว้าง" ความเปิดกว้างของข้อความ ความกว้างอันนับไม่ถ้วนเกิดขึ้น ยิ่งไปกว่านั้น กวี "เดิน" ยังหยิบ "ทุกสิ่ง" ที่ขวางทาง ทั้งสัญญาณของความเป็นจริงใหม่ รถยนต์ เครื่องบิน โฆษณา และแน่นอนว่าหอไอเฟลซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของศตวรรษที่ 20 นี้

การกระโดดที่คมชัดการหยุดชะงักการเปรียบเทียบปรากฏการณ์ที่มักจะไม่มีใครเทียบได้ - "ความประหลาดใจ" ทั้งหมดนี้ทำให้โลกสว่างไสวด้วยแสงที่ไม่คาดคิดสร้างเอฟเฟกต์ที่ใกล้เคียงกับสิ่งที่นักสถิตยศาสตร์จะโด่งดังในไม่ช้า ผู้ประเสริฐและคนธรรมดา กวีและคนธรรมดาพบว่าตัวเองอยู่เคียงข้างกันบนระนาบเดียวกัน กวีที่ทุกข์ทรมานจากความรักที่ไม่มีความสุขจบลงที่ "ฝูงรถบัสคำราม" บทกวีบางเรื่องมีองค์ประกอบ "คิวบิสต์" ลึกลับ ภูมิทัศน์นามธรรมที่แปลกประหลาด (เช่น "หน้าต่าง" ที่ชื่นชอบของกวีซึ่งอุทิศให้กับ "การหมั้นหมาย" ของปิกัสโซ) ในขณะที่ทุกสิ่งที่ "เป็น" จะถูกบันทึกไว้ การไหลของร้อยแก้วของชีวิตคือ บันทึก

มีผลงานดังกล่าวมากมาย เช่น "บทกวี - เดิน" "บทกวี - บทสนทนา" ซึ่งบางครั้งก็ดูเหมือนโกดังวัสดุก่อสร้างมากกว่าอาคารที่สร้างขึ้นในคอลเลกชัน "Calligrams" (1918) และที่นี่เห็นได้ชัดว่าไม่เหมือนกับ Verlaine หรือ Rimbaud ตรงที่ Apollinaire ไม่ได้รับประสบการณ์การตายของเทพเจ้าว่าเป็นโศกนาฏกรรม หลังจากสูญเสียผู้สร้างไป Apollinaire ก็พอใจกับการสร้างสรรค์ การดำรงอยู่ และความรู้สึกเป็นส่วนหนึ่งของมัน และความตระหนักรู้ที่สืบทอดมาจากMallarméถึงหน้าที่พิเศษของศิลปินซึ่งครอบครองตำแหน่งว่างของผู้สร้าง

Apollinaire อาสาไปแนวหน้า ต่อสู้แบบส่วนตัวในปืนใหญ่ จากนั้นก็เป็นร้อยโทในทหารราบ ในตอนแรกเขาพยายามผสมผสานธีมของสงครามเข้ากับแรงจูงใจของความรักตามปกติเพื่อให้แนวหน้ากลายเป็นส่วนสำคัญของภูมิทัศน์อันเงียบสงบของการดวลที่จริงใจอีกครั้ง (วงจร "บทกวีถึงลู" ข้อความมากมายถึงแมดเดอลีน ) - ทุกสิ่งยกย่องผู้เป็นที่รักของเขาและทุกอย่างก็ดูสวยงามตาม "ปาฏิหาริย์แห่งสงคราม" "" ("จรวดสวยงามแค่ไหน!") ความเชื่อที่ไร้เดียงสาของคู่รักที่ว่า "กองทัพได้ปะทะกันในนามของความสุขของเรา" และดังนั้น "ระเบิดก็เหมือนดาวตก" แม้จะมีความเหลื่อมล้ำแบบ Apollinarian อย่างต่อเนื่อง (เรื่องตลก "The Breasts of Tiresias" ปี 1917 เขียนด้วยความตั้งใจที่จริงจังมาก การส่งเสริมให้ชาวฝรั่งเศสดูแลเรื่องการคลอดบุตร ) อย่างไรก็ตาม ถูกแทนที่ด้วยความเข้าใจเรื่องโศกนาฏกรรม การมีส่วนร่วมของคนๆ หนึ่ง ความรับผิดชอบของตนเอง “ทุกสิ่ง” เมื่อสิ้นสุดสงครามเป็นชะตากรรมร่วมกันในประวัติศาสตร์ มุ่งความสนใจไปที่ “หัวใจของฉัน” กระบวนการได้มาซึ่งปรัชญาแห่งชีวิตซึ่ง Apollinaire ขาดเริ่มต้นขึ้น - กระบวนการนี้ถูกขัดจังหวะด้วยการเสียชีวิตอย่างกะทันหันของกวีซึ่งไม่เคยหายจากบาดแผลสาหัสเลย

Emile Verhaerne (1855-1916) - กวีชาวเบลเยียม อย่างไรก็ตาม เบลเยียมและฝรั่งเศสเป็นเพื่อนบ้านกัน นักเขียนชาวฝรั่งเศสและเบลเยียมหลายคนแสดงร่วมกันโดยตระหนักถึงความใกล้ชิดของงานของพวกเขา ภาษาฝรั่งเศสซึ่ง de Coster, Verhaerne, Maeterlinck เขียน (มีวรรณกรรมในภาษาเฟลมิชและภาษาฝรั่งเศสภาษา Walloon ด้วย) แนะนำให้เขารู้จักกับผู้ชมทั่วยุโรปและวรรณกรรมฝรั่งเศส Verhaeren มองเห็นต้นกำเนิดของบทกวีสมัยใหม่ในแนวโรแมนติกและ Hugo ดูเหมือนเขาเป็นยักษ์ซึ่งเป็นศูนย์รวมของทั้งยุคสมัยและคุณค่าทางจิตวิญญาณที่ยั่งยืน Verhaeren ให้ความสำคัญกับคนรุ่นเดียวกันอย่าง Rimbaud, Mallarmé และโดยเฉพาะ Verlaine

ในฐานะกวีชาวเบลเยียม Verhaeren เริ่มงานของเขาด้วยธีมเฉพาะของประเทศ (คอลเลกชัน "Flemish Women", 1883, "Monks", 1886) โดยคำนึงถึงอดีตบ้านเกิดของเขา ศิลปะ ภูมิทัศน์ และตัวละครที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว - ถึง ตัวละครของ “สตรีชาวเฟลมิช” ซึ่งเป็นการแสดงตัวตนแบบประจำชาติ ซึ่งรวมเข้าด้วยกันโดยประเพณีการวาดภาพภาษาเฟลมิชอันยิ่งใหญ่ ซึ่งได้รับการนับถือจาก Verhaeren ในบทกวี "ศิลปะเฟลมิช" ที่เชิดชูปรมาจารย์เก่า Verhaeren เขียนว่า "พู่กันที่ละเลยสีแดง" และภาพผู้หญิงที่พวกเขาสร้างขึ้น "สุขภาพที่หลั่งออกมา" ในทางกลับกันบทกวีของ Verhaeren นั้นต่างจาก "การตกแต่ง" กวีถ่ายทอดความรู้สึกถึงความแข็งแกร่งที่ดีต่อสุขภาพความงามตามธรรมชาติของฮีโร่ของเขาซึ่งระบุถึงธรรมชาติ อย่างไรก็ตามภาพร่างของชีวิตชาวนานั้นงดงามเกินจริง Verhaeren ในยุคแรกไม่ได้หลีกเลี่ยงการมีสไตล์และสตรีและพระสงฆ์ชาวเฟลมิชในอุดมคติก็ทำหน้าที่เป็นตัวถ่วงที่โรแมนติกในยุคปัจจุบันเมื่อไม่มี "ไม่มีอะไร" "ไม่มีวีรบุรุษ" อยู่แล้ว ”

การสูญเสียศรัทธาในพระเจ้าทำให้เกิดความผิดหวังในเชิงโรแมนติกซึ่งหมายถึงความไม่เชื่อโดยสิ้นเชิง ในคอลเลกชัน "ตอนเย็น" (พ.ศ. 2430), "ชน" (พ.ศ. 2431) และ "คบเพลิงสีดำ" (พ.ศ. 2433) รูปภาพของยามเย็นสลัว แสงสนธยาที่มืดมิดทวีคูณ และลวดลายที่เสื่อมโทรมของการเหี่ยวเฉาและความตาย ชั้นของวัฒนธรรมเสื่อมโทรมในเบลเยียมในช่วงหลายปีที่ผ่านมามีความสำคัญ

ความตายครอบงำอยู่ในเนื้อเพลงของ Emil Verhaeren ที่ราบเฟลมิชที่มีโรงสี หอระฆัง และฟาร์มเต็มไปด้วย "วงกลมแห่งอีเทอร์และทองคำ" "โครงสร้างที่อันตรายถึงชีวิต" บางส่วน ผู้หญิงชาวเฟลมิชแก้มสีดอกกุหลาบถูกแทนที่ด้วย "หญิงสาวในชุดดำ" และ "เทพเจ้าดำ" อันลึกลับ “รุ่งอรุณที่หลับใหล” ชวนฝันปรากฏขึ้นบนท้องฟ้า และ “คบเพลิงสีดำ” แห่งความบ้าคลั่งถูกจุดขึ้น กวี ร่างกายของเขา และสมองของเขาดูเหมือนจะเต็มไปด้วยสัตว์ประหลาดที่เริ่มทะเลาะวิวาทกันซึ่งก้องกังวานไปด้วยความเจ็บปวดแสนสาหัส ฮีโร่โคลงสั้น ๆ มุ่งความสนใจไปที่ความทรมานของโลกทั้งหมดในตัวเขา "อนันต์ว่างเปล่า" ไหลผ่านเขา

การแต่งเนื้อเพลงเปลี่ยนแปลงระบบบทกวีของ Verhaeren ความเที่ยงธรรม น้ำหนักวัสดุ และความแท้จริงของภาพของคอลเลกชันแรกๆ ถูกมองข้ามไป และภาพเชิงเปรียบเทียบที่ซับซ้อนก็พัฒนาขึ้น บทกวีของ Verhaeren กลายเป็นเรื่องจิตวิญญาณและมีคุณค่าหลากหลายมากขึ้น โดยเฉพาะอย่างยิ่งในขณะที่เขายอมรับว่าเขา "ไม่เคยหยุดที่จะสังเกตชีวิตจริง" วงจรโศกนาฏกรรม - การเปลี่ยนไปสู่ไตรภาคสังคมที่ตามมา กวีเปิดเผยตัวเองว่า "ฉัน" ของเขา - และในเวลาเดียวกันผ่าน "อนุสาวรีย์ที่เงียบสงบ" ของภูมิทัศน์เชิงสัญลักษณ์สัญญาณของจริงและไม่ใช่ภาพทำให้มองเห็นแฟลนเดอร์สได้

Verhaeren ไม่ได้ชื่นชม "ดอกไม้แห่งความชั่วร้าย" และไม่ได้เกี้ยวพาราสีกับความตาย การสูญเสียอุดมคติถือเป็นโศกนาฏกรรมส่วนตัวอย่างแท้จริงสำหรับเขา และบทกวีที่มืดมนที่สุดไม่ได้เผยให้เห็นถึงการจมอยู่กับองค์ประกอบของความเสื่อมโทรม แต่เป็นความปรารถนาที่เพิ่มขึ้นที่จะเอาชนะความชั่วร้ายเพื่อรับมือกับความบ้าคลั่ง ระยะแสดงสัญลักษณ์สำหรับ Verhaeren มีอายุสั้นถูกจำกัดอยู่ในวงจรพิเศษ และด้วยเหตุนี้จึงถูกจำกัดอยู่ในขอบเขต ความสมบูรณ์ความกลมกลืนขององค์ประกอบของวัฏจักรตรรกะและพลวัตเป็นองค์ประกอบสำคัญของแนวคิดของกวีโดยจำกัดขอบเขตของความสงสัยและความผิดหวังโดยทิ้งจิตใจเจตจำนงและความมุ่งมั่นไว้นอกพื้นที่นี้อย่างไม่ต้องสงสัย

จากผลทั้งหมดนี้ การเคลื่อนไหวเพิ่มเติมของกวีจึงรวดเร็วและแตกต่างอย่างมากจากเส้นทางของกวีชาวฝรั่งเศสร่วมสมัยแห่งปลายศตวรรษ ในขั้นต้น ขนาดและลักษณะมหากาพย์ของ Verhaeren ในฐานะกวีชาวเบลเยียม (ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ Hugo และ Balzac เป็นผู้มีอำนาจทางวรรณกรรมสูงสุดของเขา) ได้รับการตระหนักอย่างเต็มที่ทันทีหลังจากเอาชนะวิกฤติในช่วงปลายทศวรรษที่ 80 บทบาทสำคัญในการเปลี่ยนแปลงนี้แสดงโดยธีมของความรักที่มีความสุขซึ่งรวมอยู่ในบทกวีของ Verhaeren (วงจร "ชั่วโมง") สำหรับ Verhaeren ความรักคือการได้มาซึ่งความเมตตาและความเรียบง่าย การรักษาจิตวิญญาณให้บริสุทธิ์ และบทกวีสะท้อนให้เห็นถึงกระบวนการชำระล้างตนเองให้บริสุทธิ์ และรับรู้ได้ในหน้าที่ทางศีลธรรมที่กระตือรือร้น

ถัดจากเนื้อเพลงที่ใกล้ชิดคือจังหวะอันทรงพลังของไตรภาคสังคม ความใกล้ชิดของพวกเขาไม่เพียงเป็นพยานถึงความเป็นสากลของกวีเท่านั้น แต่ภาชนะเหล่านี้ยังสื่อสารด้วย: มีการแบ่งแยกความดีและความชั่วการประเมินทางศีลธรรมของกระบวนการชีวิตทั้งหมดรวมถึงกระบวนการทางสังคมด้วย พวกสัญลักษณ์มุ่งสู่การขจัดความชั่วร้ายให้สิ้นซาก แหล่งที่มาของการมองโลกในแง่ร้ายทั้งหมดคือสิ่งที่ไม่ทราบ ในขณะที่ Verhaeren เคลื่อนตัวอย่างรวดเร็วไปตามเส้นทางของการทำให้แหล่งที่มานี้เป็นรูปธรรม ไปสู่การประเมินความชั่วร้ายอย่างเป็นรูปธรรมในสังคม

“สังคมไตรภาค” เป็นชื่อทั่วไปของผลงานในยุค 90 โดยมีศูนย์กลางอยู่ที่ธีมของหมู่บ้าน (คอลเลกชัน “Fields in Delirium”, พ.ศ. 2436 ฯลฯ) เมือง (คอลเลกชัน “Octopus Cities”, พ.ศ. 2438) อนาคต (ละคร “รุ่งอรุณ” , พ.ศ. 2441). อีกครั้งที่ภาพลักษณ์ของเบลเยียมเป็นภาพหลัก แต่เฉพาะใน "ไตรภาค" เท่านั้นคือความสมบูรณ์ทางสังคมและความถูกต้องทางประวัติศาสตร์ของภาพนี้ที่ได้รับ วัฏจักรถูกสร้างขึ้นตามความเชี่ยวชาญของ Verharn ในด้านลักษณะทั่วไปและลักษณะโดยรวมของปรากฏการณ์ขนาดใหญ่ที่มีความจุมาก แต่ละรอบจะปรากฏเป็นผืนผ้าใบอันยิ่งใหญ่ เต็มไปด้วยดราม่าภายในและไดนามิก “ที่ราบ” “ทุ่งนา” เป็นภาพสัญลักษณ์ทางสายตาซึ่งมีความสัมพันธ์กับภาพเมืองเมื่อเปรียบเทียบกับภาพนั้น

การรับรู้อันน่าเศร้าของชีวิตถูกแทนที่ด้วยภาพโศกนาฏกรรมของชีวิต ความซ้ำซากจำเจของที่ราบที่ยากจนนั้นเกิดจากความหลากหลายของเมืองปลาหมึกยักษ์ที่ "กลืนกิน" ที่ราบ พลังของ "จิตวิญญาณของเมือง" โครงสร้างอันยิ่งใหญ่ที่ Verhaeren สามารถสร้างโดยใช้วิถีทางของวงจรบทกวี ภาพวาดนี้เองที่ยกย่อง Verhaeren ในฐานะกวีผู้ยิ่งใหญ่ในเมืองและมีอิทธิพลอย่างมากต่อกวีแห่งศตวรรษที่ 20 จาก Rilke ถึง Bryusov

ด้านหลังอาคารที่ทำจากโลหะและหิน กวีมองดูโลกทั้งโลกแห่งความหลงใหล การต่อสู้ และแรงกระตุ้นของมนุษย์ “จิตวิญญาณของเมือง” เป็นแนวคิดทางประวัติศาสตร์: “ศตวรรษและศตวรรษ” ของการมีชีวิตอยู่เป็นตัวกำหนดความเข้มข้นของพลังงานอันเหลือเชื่อที่ทำลายอุปสรรคทั้งหมดและกวาดล้างขอบเขตทั้งหมด

รวมถึงขอบเขตที่กำหนดขึ้นตามแบบฉบับดั้งเดิม หลังจากประกาศว่า "กบฏต่อรูปแบบที่ถูกควบคุม" Verhaeren ซึ่งเริ่มต้นด้วยรูปแบบดั้งเดิมพร้อมกลอน "ถูกต้อง" ในที่สุดก็ได้สร้างกลอนอิสระในไตรภาคสังคมในที่สุด พื้นฐานของการปฏิรูปบทกวีที่ดำเนินการโดย Verhaeren ถูกกำหนดอย่างแม่นยำโดย Valery Bryusov ผู้เขียนว่ากวีชาวเบลเยียม "ผลักดันขอบเขตของบทกวีอย่างกว้างขวางจนเขารวมโลกทั้งใบไว้ในนั้น" และ "Verhaeren มีจังหวะมากเท่ากับความคิด ในอำนาจของเขา” บทกวีของ Verhaeren สร้างความประหลาดใจอย่างแท้จริงด้วยเนื้อหาที่เข้มข้นและลึกซึ้งเป็นพิเศษ แต่เฉพาะในจังหวะที่เข้มข้น อิสระ และเปลี่ยนแปลงตลอดเวลาเท่านั้นที่สามารถรวบรวมเนื้อหาดังกล่าวได้ Verhaeren ใช้ความเป็นไปได้ทั้งหมดของกลอนอิสระ จัดเรียงบรรทัดใน "บันได" ที่แปลกประหลาด ทำลายบทดั้งเดิม โดยใช้ความกลมกลืนของจังหวะ ความสอดคล้อง สัมผัสอักษร และการผสมเสียง เขาสร้าง "ภาพที่มีพลังและน่าดึงดูด" และในขณะเดียวกันก็ไม่ลืมสัมผัส เขาเขียนบทกวี "ถูกต้อง" Verhaeren ไม่ได้แทนที่ฉันทลักษณ์หนึ่งด้วยอีกอันหนึ่ง แต่แสวงหาการแสดงออกทางความคิดที่ถูกต้องโดยไม่คำนึงถึงกฎเกณฑ์ใดๆ

ในความพยายามที่จะ "บรรจุโลกทั้งใบ" ในบทกวี Verhaeren ได้ผสมผสานหลักการที่ไพเราะและโคลงสั้น ๆ เข้ากับแก่นแท้ของงานศิลปะของเขา กวีนิพนธ์เป็นการเปิดเผยสำหรับเขาคำสารภาพอย่างไรก็ตามหันไปหาทุกคนกับทุกสิ่งจ่าหน้าถึงผู้อื่นบทสนทนาที่สันนิษฐานว่าเป็นคู่สนทนา บทกวีของ Verhaeren มีทั้งละครและดราม่า หลายเรื่องมีโครงเรื่อง มีตัวละคร มีความขัดแย้ง Verhaeren เขียนละครสี่เรื่อง ซึ่งเรื่องที่โด่งดังที่สุดคือการสวมมงกุฎไตรภาคทางสังคม

“Dawns” เป็นละครเกี่ยวกับการปฏิวัติเกี่ยวกับอนาคต มุมมองในแง่ดีได้ถูกกำหนดไว้แล้วในตอนสุดท้ายของ “Octopus Cities” ซึ่งสร้างความแตกต่างอย่างน่าทึ่งกับตอนจบของส่วนแรกของไตรภาค ซึ่งมีภาพจอบหลุมศพ ในเมืองกวีพบความพร้อมสำหรับ "การค้นหาและการจลาจล" ซึ่งหมู่บ้านขาด เขาร้องเพลงถึงความรุ่งโรจน์ของงาน การสร้างสรรค์ การวิจัยทางวิทยาศาสตร์ บ่งบอกถึงอนาคตของไอเดีย ในสภาวะของทศวรรษที่ 90 แรงกระตุ้นของ Verhaeren กลายเป็นเรื่องการเมือง เขาถูกพาตัวไปโดยแนวคิดสังคมนิยมและการปฏิวัติ

Verhaeren กำลังจะออกจากสถานที่จัดเวทีแชมเบอร์ที่คุ้นเคย การกระทำของ "The Dawn" เกิดขึ้นในทุ่งนาและถนนในเมือง ฉากฝูงชนมีอิทธิพลเหนือ เหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดเกิดขึ้น กำหนดความรุนแรงของความหลงใหล ความขัดแย้งเฉียบพลันของพล็อต รูปแบบที่น่าสมเพชและเปิดเผย นอกเหนือจากธีมแห่งอนาคตแล้ว แนวโรแมนติกยังรุกรานงานศิลปะของ Verhaeren; ทั้งลีลา ปัญหา และตัวละครใน “The Dawn” หวนคืนสู่ละครโรแมนติกของวิกเตอร์ อูโก ด้วยความพยายามแห่งเจตจำนงเหนือมนุษย์ Erenien นักปฏิวัติจึงสูงขึ้นจนสามารถมองเห็นรุ่งอรุณแห่งอนาคตได้ แต่แล้วเขาก็กลายเป็นยักษ์ เป็นเทพองค์ใหม่ เป็นผู้ช่วยให้รอด

ด้วยความเชื่อมั่นว่า "เทพเจ้านั้นล้าสมัยไปแล้ว" Verhaeren จึงกำหนดขอบเขตของยุคใหม่ด้วยฮีโร่ผู้นี้ซึ่งรับหน้าที่เป็นผู้ทรงอำนาจ ในตอนต้นของศตวรรษ กวีนิพนธ์ของ Verhaeren เข้าสู่ขอบเขตของการเป็นอยู่ การดำรงอยู่ในความรู้สึกชีวิตทั่วไปที่เป็นสากล เมื่อมองเข้าไปใน "ใบหน้าแห่งชีวิต" (คอลเลกชัน "Faces of Life", 1899), Verhaeren มองเห็น "กองกำลังที่รุนแรง" (คอลเลกชัน "กองกำลังรุนแรง", 1902), "ความเปล่งประกายหลากสี" (คอลเลกชัน "ความกระจ่างใสหลากสี", พ.ศ. 2449) ได้ยิน "จังหวะอธิปไตย "(คอลเลกชัน "จังหวะอธิปไตย", 2453)

ทุกสิ่งที่ทรงพลังสร้างความพึงพอใจให้กับกวี "ลอร์ด" ทุกคน - พระมหากษัตริย์, ผู้บัญชาการ, ทริบูน, นายธนาคาร, ทรราช, "กองกำลังที่รุนแรง" ทั้งหมดที่ควบคุมพื้นที่อันไร้ขอบเขตของภูมิทัศน์ของจักรวาลที่น่าทึ่ง แต่ตัวละครหลักของยุคใหม่คือ "นักคิด นักวิทยาศาสตร์ อัครสาวก" ซึ่งคาดการณ์ถึงอนาคต แสดงให้เห็นการเคลื่อนไหวไปข้างหน้าอย่างมั่นคง: "เรามีชีวิตอยู่ในยุคแห่งการต่ออายุ" "ทุกสิ่งเปลี่ยนไป - ขอบฟ้ากำลังดำเนินไป ” ความรู้สึกเชิงกวีที่มีชีวิตเกี่ยวกับกระแสทางประวัติศาสตร์ทำให้บทกวีของ Verhaeren อิ่มเอิบ

ทีละเล็กทีละน้อย "ชีวิตอันเข้มข้นอันยิ่งใหญ่" ของกวีลอยอยู่เหนือโลกแห่งความเป็นจริง แสดงออกถึงจังหวะอันยิ่งใหญ่ของการดำรงอยู่ในอุดมคติของผู้ที่ได้รับเลือกแห่งโชคชะตา และนิมิตเชิงพยากรณ์อย่างแท้จริงก็กลายเป็นความฝันในอุดมคติ ความนามธรรมและการประกาศที่เกิดขึ้นถูกยับยั้งโดยบทกวีและการสารภาพบทกวีซึ่งไม่ได้รวบรวม แต่เป็นภาพลักษณ์ที่แท้จริงของชายผู้กล้าหาญที่ไม่มีที่สิ้นสุดพลังทางจิตวิญญาณที่ไม่สิ้นสุดและพลังสร้างสรรค์อันมหาศาล - ภาพลักษณ์ของวีรบุรุษโคลงสั้น ๆ ภาพลักษณ์ของ กวีเอง โครงสร้างยูโทเปียดูเหมือนจะได้รับการวิจารณ์โดยบทกวีของการดำรงอยู่ "ธรรมดา" ทุกวันบนดินเฟลมิชนี้ ในทางกลับกัน วัฏจักร "All Flanders" ถูกสร้างขึ้นซึ่งกวีนิพนธ์องค์ประกอบของชีวิตพื้นบ้านและจิตสำนึกพื้นบ้านแบบดั้งเดิม

การมองโลกในแง่ดีของ Verhaeren ได้รับความเสียหายอย่างกะทันหัน - สงครามโลกครั้งที่หนึ่งเริ่มต้นขึ้น กวีสามารถตอบสนองต่อโศกนาฏกรรมครั้งนี้ได้ (คอลเลกชัน "Scarlet Wings of War", 1916) แต่ทั้ง Verhaeren และ Apollinaire ยังไม่เข้าใจธรรมชาติของภัยพิบัติระดับโลกที่เริ่มต้นขึ้น พวกมันเป็นของต้นศตวรรษ - Apollinaire ไม่รวมสงครามท่ามกลางปัจจัยที่หล่อหลอม "จิตวิญญาณใหม่" ด้วยซ้ำ!

วรรณกรรม

บทกวีสัญลักษณ์ของฝรั่งเศส ม., 1993.

เนื้อเพลง Verlaine P. ม., 1969.

ริมโบด์. ได้ผล ม. 1988.

อพอลลิแนร์. เนื้อเพลงที่เลือก ม., 1985.

Verharn E. บทกวีที่เลือกสรร ม., 1984.

กวีนิพนธ์ของฝรั่งเศส ศตวรรษที่ 19 ม., 1985.

Andreev L. G. , อิมเพรสชั่นนิสต์, M. , 1980

Balashova T.V. กวีนิพนธ์ฝรั่งเศสแห่งศตวรรษที่ 20 ม., 1982.

Oblomievsky D. สัญลักษณ์ภาษาฝรั่งเศส ม., 1973.

Andreev L. G. วรรณกรรมเบลเยียมหนึ่งร้อยปี ม., 1967.

ฟรายด์ เจ. เอมิล แวร์ฮาเอิร์น เส้นทางสร้างสรรค์ของกวี ม., 1985.

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ในยุโรปตะวันตก ฝรั่งเศสกลายเป็นศูนย์กลางทางวัฒนธรรม ประชาธิปไตยชนชั้นกระฎุมพีได้รับการสถาปนาขึ้น และลักษณะแรกๆ ของจิตสำนึกมวลชนที่ปรากฏขึ้นมาก็ปรากฏขึ้น ความเข้มข้นของผู้อยู่อาศัยในเมืองต่างๆ มาพร้อมกับความมีชีวิตชีวาของชีวิตที่เกี่ยวข้องกับการพัฒนาอุตสาหกรรม การคมนาคม การสื่อสาร การเร่งความเร็วของวิวัฒนาการทางสังคม และความก้าวหน้าทางวิทยาศาสตร์

การไหลเวียนของข้อมูลเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็ว กระตุ้นให้เกิดความพยายามในการสร้างระบบข้อมูลระดับโลก ยังไม่มีวิทยุหรือโทรทัศน์ แต่โทรเลขไฟฟ้าได้นำจุดที่อยู่ห่างไกลของโลกเข้ามาใกล้ยิ่งขึ้น และการหมุนเวียนหนังสือพิมพ์ที่เพิ่มขึ้นก็มีส่วนทำให้การเผยแพร่ข้อมูลในวงกว้างมากขึ้น

สังคมศาสตร์และมนุษยศาสตร์ถูกบังคับให้คำนึงถึงปัจจัยมวล การจำหน่ายและการบริโภคงานศิลปะตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 19 มีความโดดเด่นเป็นหลักจากการทำให้เป็นประชาธิปไตยที่เพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็ว วรรณกรรมเป็นผู้นำ สำนักพิมพ์กำลังพัฒนา นิตยสารใหม่จำนวนมากปรากฏพร้อมยอดจำหน่ายอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน

ในยุคก่อนหน้านี้มีความแตกต่างของหน้าที่ในกิจกรรมสร้างสรรค์: นอกเหนือจากศิลปินแล้วยังมีกองกลางพิเศษเกิดขึ้น - ผู้จัดพิมพ์ผู้ค้างานศิลปะผู้ประกอบการ ฯลฯ กระแสหลักของการเผยแพร่ผลงานศิลปะกลายเป็น ดอกเบี้ยเชิงพาณิชย์ ผู้ประกอบการพยายามทำให้ทุกรสนิยมพอใจดังนั้นจึงสนับสนุนให้มีการสร้างผลิตภัณฑ์คุณภาพต่ำและหลอกศิลปะ มันเป็นในศตวรรษที่ 19 วัฒนธรรมมวลชนเริ่มต้นด้วยความขัดแย้งและความชั่วร้ายทั้งหมด

เริ่มต้นจากความสมจริงและแนวโรแมนติก ทฤษฎีทางศิลปะและสุนทรียภาพใหม่ๆ เกิดขึ้นซึ่งได้รับความนิยมไม่มากก็น้อย ผู้สืบทอดประเพณีโรแมนติกบางอย่างคือกลุ่มภราดรภาพก่อนราฟาเอลซึ่งเกิดขึ้นในอังกฤษในปี พ.ศ. 2385 - สังคมของกวีและศิลปิน: กวีและจิตรกร D.P. Rosseti (1828--1882) กวี K. Rosseti (1830--1879) จิตรกร Des.E. Millais (1842--1896) และ E. Burne-Jones (1821--1878) ศิลปิน นักออกแบบ และนักเขียน W. Morris (1834--1896) ยุคก่อนราฟาเอลผสมผสานการปฏิเสธอารยธรรมสมัยใหม่เข้ากับอุดมคติของยุคกลางและยุคเรอเนซองส์ตอนต้น และความต้องการการทำให้ชีวิตมีความสวยงาม พวกเขาพยายามรื้อฟื้น "ศาสนาที่ไร้เดียงสา" ในงานศิลปะ ต่อมาแนวคิดของลัทธิพรีราฟาเอลมีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาสัญลักษณ์ในวรรณคดีอังกฤษ (โอ. ไวลด์) ซึ่งเป็นสไตล์อาร์ตนูโวในวิจิตรศิลป์และมัณฑนศิลป์

สัญลักษณ์นิยม

ในฐานะทิศทางใหม่ในงานศิลปะ สัญลักษณ์นิยมเกิดขึ้นในยุโรปในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของสัญลักษณ์ฝรั่งเศสคือกวี Paul Verlaine (1844-1896), Stéphane Mallarmé (1842-1898), Arthur Rimbaud (1854-1891) และคนอื่น ๆ

P. Verlaine (คอลเลกชันบทกวี "Gallant Celebrations", "Romance Without Words", "Wisdom") นำโลกแห่งความรู้สึกและประสบการณ์ที่ซับซ้อนมาสู่บทกวีโคลงสั้น ๆ และทำให้บทกวีมีดนตรีที่ละเอียดอ่อน

ผลงานของ O. Mallarmé มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยไวยากรณ์ที่ซับซ้อน การกลับกัน และความปรารถนาที่จะถ่ายทอด "ความรู้สึกเหนือธรรมชาติ" สิ่งนี้สามารถเห็นได้ชัดเจนในชิ้นส่วนที่น่าทึ่งของ "Herodias" และคอลเลกชัน "บทกวี"

หนึ่งในบุคคลสำคัญของกวีนิพนธ์ฝรั่งเศสคือ A. Rimbaud ผู้แต่งหนังสือบทกวีและร้อยแก้ว "Through Hell" และ "Illumination" ซึ่งเต็มไปด้วยความไร้เหตุผลความคิด "กระจัดกระจาย" การต่อต้านชนชั้นกลางและความน่าสมเพชเชิงทำนาย:

กวีเองทำให้ตัวเองเปิดกว้าง - ผ่านความผิดปกติของประสาทสัมผัสทั้งหมดที่ยาวนานเหนื่อยล้าและคิดอย่างรอบคอบ

สัญลักษณ์เริ่มแพร่หลายในประเทศอื่น ๆ: ในเยอรมนี - ในงานของ Stefan George (พ.ศ. 2411-2476) ในออสเตรีย - Hugo Hofmannsthal (พ.ศ. 2417-- พ.ศ. 2466) และ Rainer Maria Rilke (พ.ศ. 2418-2469) ในเบลเยียม - Maurice Maeterlinck (1862-1949), จอร์จ โรเดนบาค (1855-1898)

S. Gheorghe ปกป้องลัทธิ "ศิลปะบริสุทธิ์" และบทบาทของศาสนพยากรณ์ในคอลเลกชัน "The Seventh Ring" และ "The Star of the Union" เขาได้รับอิทธิพลจาก F. Nietzsche (คอลเลกชัน "New Kingdom")

เนื้อเพลงและบทละครของ G. Hofmannsthal ("Every Person") เต็มไปด้วยสัญลักษณ์

ธีมหลักของงานของ Rilke คือความปรารถนาที่จะเอาชนะความเหงาด้วยความรักต่อผู้คนและการผสมผสานเข้ากับธรรมชาติ ผลงานของเขา ("Book of Images", "Book of Hours") ผสมผสานสัญลักษณ์ทางปรัชญา ละครเพลง และความเป็นพลาสติกเข้าด้วยกัน นวนิยายไดอารี่ "Notes by Malte Laurids Brigge" คาดการณ์ร้อยแก้วอัตถิภาวนิยม

M. Maeterlinck แสดงการประท้วงต่อต้านความเป็นธรรมชาติของธรรมชาตินิยมในบทกวีเชิงสัญลักษณ์ของเขา เขาเป็นผู้แต่งบทละคร "Sister Beatrice", "Monna Vanna", "Blue Bird" Maeterlinck - ผู้ได้รับรางวัลโนเบลในปี 1911

ผลงานของกวีสัญลักษณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด J. Rodenbach ผู้แต่งนวนิยายสัญลักษณ์ "Dead Bruges" และ "The Bell Ringer" มีลักษณะทางศาสนาและลึกลับ

นักสัญลักษณ์มุ่งความสนใจไปที่การแสดงออกทางศิลปะผ่านสัญลักษณ์ของ "สิ่งต่าง ๆ ในตัวเอง" และความคิดที่อยู่นอกเหนือการรับรู้ทางประสาทสัมผัสของมนุษย์ พยายามที่จะฝ่าฟันความเป็นจริงที่มองเห็นไปสู่ ​​"ความเป็นจริงที่ซ่อนอยู่" ซึ่งเป็นสาระสำคัญในอุดมคติของโลกที่ "ไม่เสื่อมสลาย" ความงาม. ที่นี่แนวโน้มชั้นนำของศิลปะสมัยใหม่ได้แสดงออกมาอย่างชัดเจนแล้ว - ความปรารถนาในอิสรภาพทางจิตวิญญาณ, ลางสังหรณ์ที่น่าเศร้าของหายนะทางสังคม, ความไม่ไว้วางใจในคุณค่าทางวัฒนธรรมและจิตวิญญาณที่เก่าแก่, เวทย์มนต์

การเสื่อมถอยอันเจ็บปวดของอารยธรรมนั้นเห็นได้ชัดเจน ซึ่งเถียงไม่ได้สำหรับกวีชาวฝรั่งเศสผู้มีชื่อเสียง Charles Baudelaire (1821-1867) เขาเป็นผู้นำของสัญลักษณ์ของฝรั่งเศส หนังสือเล่มหลักของเขาได้รับชื่อที่เร้าใจ แต่สอดคล้องกับวิสัยทัศน์อันน่าสลดใจของโลก - "ดอกไม้แห่งความชั่วร้าย" นี่คือความเกลียดชังต่อโลกชนชั้นกระฎุมพี การกบฏแบบอนาธิปไตย ความปรารถนาความสามัคคี กวีผสมผสานความรู้สึกเหล่านี้เข้ากับการรับรู้ถึงความชั่วร้ายที่ผ่านไม่ได้:

นักเดินทางที่แท้จริงคือผู้ที่ออกเดินทางโดยทิ้งอดีตไว้เบื้องหลัง

การแสดงสัญลักษณ์สัญลักษณ์ (กรีก simbolon - เครื่องหมายสัญลักษณ์) เป็นหนึ่งในการเคลื่อนไหวที่ใหญ่ที่สุด
ในงานศิลปะโดดเด่นด้วยการทดลองความปรารถนา
นวัตกรรม การใช้สัญลักษณ์ การพูดน้อย การบอกใบ้
ความลึกลับและปริศนา
ในงานของพวกเขา Symbolists พยายามพรรณนาถึงชีวิตของทุกจิตวิญญาณ -
เต็มไปด้วยประสบการณ์ ไม่ชัดเจน อารมณ์คลุมเครือ ความรู้สึกอันละเอียดอ่อน หายวับไป
การแสดงผล
มีต้นกำเนิดในประเทศฝรั่งเศสในช่วงปี 1870-1880 และได้รับการพัฒนาอย่างยิ่งใหญ่ที่สุดในปี
ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 โดยเฉพาะในฝรั่งเศส เบลเยียม และรัสเซีย
แนวโน้มนี้สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษในรัสเซีย
ใช้แนวคิดแบบตะวันตกแต่กลับนำเสนอลักษณะเด่นและ
ลักษณะเฉพาะ. ซึ่งรวมถึงการสื่อสารกับประชาชนและรัฐและอุทธรณ์ไปยัง
ยุคประวัติศาสตร์อื่นๆ

สัญลักษณ์และการเคลื่อนไหวอื่น ๆ

คุณสมบัติลักษณะของสัญลักษณ์

จอห์น เอเวอเรตต์ มิเลส์. โอฟีเลีย. เทตแกลเลอรี่, ลอนดอน 1852

ดันเต้ กาเบรียล รอสเซตติ. ที่รัก. เทตแกลเลอรี่, ลอนดอน พ.ศ. 2408 – 2409

ปูวิส เดอ ชาวานเนส (1824 – 1898)

หวัง. พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส พ.ศ. 2414

หวัง. วอลเตอร์สแกลเลอรี, บัลติมอร์ พ.ศ. 2415

นักบุญเจเนวีฟกำลังใคร่ครวญปารีส แผงจากวัฏจักร "ชีวิตของนักบุญเจเนวีฟ" แพนธีออน, ปารีส. พ.ศ. 2417 – 2441

ป่าศักดิ์สิทธิ์อันเป็นที่รักของท่วงทำนองและศิลปะ สถาบันศิลปะชิคาโก พ.ศ. 2427 – 2432

ชาวประมงที่น่าสงสาร พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส พ.ศ. 2424

สาวๆริมทะเล. พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส พ.ศ. 2422

พอล โกแกง. เรามาจากไหน? พวกเราคือใคร? เราจะไปที่ไหน? พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์บอสตัน พ.ศ. 2440 – 2441

พอล โกแกง. พระคริสต์สีเหลือง หอศิลป์ Albright-Knox, บัฟฟาโล พ.ศ. 2432

พอล โกแกง. กรีนคริส. พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์บรัสเซลส์ พ.ศ. 2432

กลุ่ม “นบี” (พ.ศ. 2433 – 2448)

พอล เอลี แรนสัน. ภูมิทัศน์ของศาสดา พ.ศ. 2433

พอล เซรูซิเยร์. มาสค็อต พิพิธภัณฑ์ d'Orsay ปารีส พ.ศ. 2431

ปิแอร์ บอนนาร์ด. เกมโครเก้ พิพิธภัณฑ์ d'Orsay ปารีส พ.ศ. 2435

มอริซ เดนิส. ภูมิทัศน์ที่มีต้นไม้สีเขียว คอลเลกชันส่วนตัว พ.ศ. 2436

ฌอง เอดูอาร์ วุยลาร์ด. ในห้อง. พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์แห่งรัฐ ตั้งชื่อตาม A.S. Pushkin กรุงมอสโก 2447

กุสตาฟ โมโร (1826 – 1898)

เอดิปุสและสฟิงซ์ พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน นิวยอร์ก พ.ศ. 2407

ปรากฏการณ์. พิพิธภัณฑ์กุสตาฟ โมโร ปารีส ตกลง. พ.ศ. 2418

ยูนิคอร์น พิพิธภัณฑ์กุสตาฟ โมโร ปารีส ตกลง. พ.ศ. 2428

ดาวพฤหัสบดีและเซเมเล พิพิธภัณฑ์กุสตาฟ โมโร ปารีส ตกลง. พ.ศ. 2437

โอดิลอน เรดอน (1840 – 1916)

วิญญาณ. ผู้พิทักษ์แห่งผืนน้ำ พ.ศ. 2421

ผู้เล่น. จากซีรีส์ "ในฝัน" พ.ศ. 2422

แมงมุมยิ้ม. พิพิธภัณฑ์ลูฟร์, ปารีส. พ.ศ. 2424

โปรไฟล์แสง คอลเลกชันส่วนตัว พ.ศ. 2424 – 2429

พาร์ซิฟาล พ.ศ. 2434

พระคริสต์แห่งพระหฤทัยอันศักดิ์สิทธิ์ พิพิธภัณฑ์ลูฟร์, ปารีส. ตกลง. พ.ศ. 2438

การกำเนิดของดาวศุกร์ พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส ตกลง. พ.ศ. 2453

เอ็ดวาร์ด มุงค์ (1863 – 1944)

ในวรรณคดีปลาย XIX - ต้นศตวรรษที่ XX

1. ต้นกำเนิดและข้อกำหนดเบื้องต้นของสัญลักษณ์…………………………………….3

2. ลักษณะเฉพาะของวรรณกรรมเชิงสัญลักษณ์……………………………..5

3. สัญลักษณ์ในวรรณคดียุโรปตะวันตกในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 – ต้นศตวรรษที่ 20..9

รายการอ้างอิง………………………………………………………...18

ช่วงที่สามสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 เป็นช่วงเวลาที่น่าทึ่งที่สุดช่วงหนึ่งในประวัติศาสตร์ฝรั่งเศส ซึ่งกลายเป็นที่รู้จักในชื่อ "ฟินเดอซิแยล" ("ปลายศตวรรษ"): ความพ่ายแพ้ในสงครามฝรั่งเศส-ปรัสเซีย ความพ่ายแพ้ของคอมมูนปารีส การสมรู้ร่วมคิดของระบอบกษัตริย์ การทุจริตและการละเมิดในหน่วยงานระดับสูงและแวดวงการเงิน

จากนั้นตัวแทนของวัฒนธรรมฝรั่งเศสก็รู้สึกถึงความเหนื่อยล้าของแนวคิดและแนวความคิดก่อนหน้านี้ (ปรัชญาวิทยาศาสตร์ศิลปะ) ซึ่งเป็นพื้นฐานของอารยธรรมตะวันตกมานานหลายศตวรรษ “ฉันควรจะเชื่อใจใคร? ฉันควรอธิษฐานถึงไอดอลคนไหน? นักบุญคนไหนควรถูกโค่นล้ม? ใจใครให้หลงใหล? ฉันควรทำเป้าหมายอะไรด้วยตัวเอง” ริมโบด์ถามด้วยความสิ้นหวัง เช่นเดียวกับคนอื่นๆ อีกหลายคน โดยต้องพบกับความผิดหวังอย่างสุดซึ้งและความเหนื่อยล้าจากชีวิต ความไร้พลังของเขาที่อยู่ตรงหน้า และความสยองขวัญของการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ทางประวัติศาสตร์ที่กำลังจะเกิดขึ้น ที่พวกเขาคาดการณ์ไว้ล่วงหน้า

หัวหน้าสัญลักษณ์ของฝรั่งเศสที่ได้รับการยอมรับคือStéphane Mallarmé (1842 - 1898) บทกวีบทแรกของเขาซึ่งได้รับอิทธิพลจากชาวปาร์นาสและโบดแลร์ปรากฏในช่วงต้นทศวรรษที่ 60 ในหมู่พวกเขาบทเพลง "The Afternoon of a Faun" (1865 -1866) เป็นที่สนใจเป็นพิเศษ

Symbolists พัฒนาภาษากวีเชิงชี้นำแบบใหม่ที่ไม่ได้ตั้งชื่อวัตถุโดยตรง แต่บอกเป็นนัยถึงเนื้อหาบางอย่างผ่านสัญลักษณ์เปรียบเทียบ ละครเพลง สีสัน และกลอนอิสระ

การค้นหาจดหมายโต้ตอบเป็นพื้นฐานของหลักการสังเคราะห์เชิงสัญลักษณ์ซึ่งเป็นการรวมศิลปะเข้าด้วยกัน ลวดลายของการแทรกซึมของความรักและความตาย อัจฉริยะและความเจ็บป่วย ช่องว่างที่น่าเศร้าระหว่างรูปลักษณ์และแก่นแท้ที่มีอยู่ในหนังสือของโบดแลร์ กลายเป็นที่โดดเด่นในบทกวีของสัญลักษณ์นิยม

โฆษกของการประท้วงต่อต้านความชัดเจนที่น่าเบื่อคือ P. Verlaine และบทบาทของเขาในฐานะนักปฏิรูปภาษากวีในประวัติศาสตร์วรรณกรรมก็มีความชอบธรรม P. Verlaine เป็นนักริเริ่มที่มีพรสวรรค์ซึ่งได้ประกาศต่อสู้กับแนวคิดดั้งเดิมเกี่ยวกับบทกวี โดยมุ่งมั่นที่จะสร้าง "ภาษาใหม่ ดนตรีแห่งเสียงใหม่"

กวีนิพนธ์ของชายหนุ่มผู้เก่งกาจ A. Rimbaud ซึ่งใช้กลอนอิสระเป็นครั้งแรก (กลอนอิสระ) ได้รวบรวมแนวคิดที่นักสัญลักษณ์นำมาใช้ในการละทิ้ง "คารมคมคาย" และค้นหาจุดตัดระหว่างบทกวีและร้อยแก้ว แม้จะบุกรุกขอบเขตของชีวิตที่ไร้บทกวีมากที่สุด Rimbaud ก็บรรลุผลของ "ลัทธิเหนือธรรมชาติทางธรรมชาติ" ในการพรรณนาถึงความเป็นจริง

มีการเน้นคุณลักษณะทั่วไปของหลักคำสอนของสัญลักษณ์ดังต่อไปนี้: ศิลปะ - ความเข้าใจโดยสัญชาตญาณของความสามัคคีของโลกผ่านการค้นพบเชิงสัญลักษณ์ของ "การติดต่อ" และการเปรียบเทียบ องค์ประกอบทางดนตรีเป็นพื้นฐานของชีวิตและศิลปะ การครอบงำของหลักการโคลงสั้น ๆ - บทกวีบนพื้นฐานของความเชื่อในความใกล้ชิดของชีวิตภายในของกวีไปสู่ความสมบูรณ์และในพลังวิเศษเหนือจริงหรือไม่มีเหตุผลของคำพูดบทกวี หันไปหาศิลปะโบราณและยุคกลางเพื่อค้นหาความสัมพันธ์ทางลำดับวงศ์ตระกูล

รายการอ้างอิงที่ใช้

1. Balashov N.I. คำหลัง //Baudelaire M. ดอกไม้แห่งความชั่วร้าย M. , 1970
2. Balashov N.I. สัญลักษณ์นิยม Mallarmé, Rimbaud, Verlaine, ในหนังสือ: ประวัติศาสตร์วรรณคดีฝรั่งเศส, เล่ม 3, M. , 1959
3. บาลาโชวา ที.วี. กวีนิพนธ์ฝรั่งเศสแห่งศตวรรษที่ 20 ม., 1982.
4. Bely A. คำติชม สุนทรียภาพ ทฤษฎีสัญลักษณ์นิยม ต. 1. ม. 2537;
5. Bely A. Symbolism เป็นโลกทัศน์ ม.., 1994.
6. Berdyaev N. ความหมายของความคิดสร้างสรรค์ ประสบการณ์ในการให้เหตุผลแก่บุคคล // ของสะสม ปฏิบัติการ ต. 2. ปารีส 2528 หน้า 275
7. บิชคอฟ วี.วี. ศิลปะแห่งศตวรรษของเรา // เหง้า O.B. หนังสือเกี่ยวกับสุนทรียภาพที่ไม่คลาสสิก ม. , 1998 ส. 111-186; 213-216.
8. Vengerova Z. A. กวี Symbolist ในฝรั่งเศส – ม., 1992.
9. Vladimirova A.I. ปัญหาความรู้ทางศิลปะในวรรณคดีฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนผ่านของสองศตวรรษ (พ.ศ. 2433-2457) ล., 1976.
10. Gorky M. , Paul Verlaine และความเสื่อมโทรม , ของสะสม ปฏิบัติการ ใน 30 ฉบับ เล่ม 23 ม. 2496
11. Dmitriev V. Poetics (การศึกษาเกี่ยวกับสัญลักษณ์นิยม) เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2536
12. Kovaleva T.V. และอื่นๆ ประวัติศาสตร์วรรณคดีต่างประเทศ (ครึ่งหลังของคริสต์ศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20) มินสค์: Zavigar, 1997. 23-114.
13. เลาทรีมองต์. บทกวีสัญลักษณ์ของฝรั่งเศส "บทเพลงของมัลโดเรอร์" ม., 1993.
14. Tishunina N. ในโรงละครของ W. B. Yeats และปัญหาการพัฒนาสัญลักษณ์ของยุโรปตะวันตก สบ.: การศึกษา. 1994.
15. สัญลักษณ์การแสดงละครในฝรั่งเศส (แนวโน้มหลัก) // หมายเหตุของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ห้องสมุดโรงละครแห่งรัฐ ฉบับที่ 2. เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: ไฮเปอเรียน 2542 1 หน้า
16. สัญลักษณ์ภาษาฝรั่งเศส: ละครและละคร เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2543

ปลายศตวรรษที่ 19 – ยุคแห่งความก้าวหน้าทางเทคโนโลยีอย่างรวดเร็ว ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ เทรนด์ใหม่ทางศิลปะก็เกิดขึ้นอย่างรวดเร็วเช่นกัน - สไตล์อาร์ตนูโว การเคลื่อนไหวทางศิลปะของสัญลักษณ์นิยม ฯลฯ ในด้านสถาปัตยกรรมมีการค้นหาการออกแบบใหม่ ๆ โดยอาศัยการใช้วัสดุเช่นเหล็ก ซีเมนต์ คอนกรีต คอนกรีตเสริมเหล็ก แก้ว ฯลฯ ความสามารถทางเทคนิคของสถาปัตยกรรมใหม่ทำให้สามารถสร้างสิ่งปกคลุมแบบแขวน เช่น หลังคา และครอบคลุมพื้นที่ขนาดใหญ่ตามระบบโดมโค้งได้

ตัวอย่างของสถาปัตยกรรมใหม่คือ หอไอเฟล,สร้างขึ้นในกรุงปารีสเพื่อเตรียมจัดงานนิทรรศการโลกในปี พ.ศ. 2432 โดยวิศวกรชาวฝรั่งเศส A.G. ไอเฟล. ภาพเงาฉลุของหอคอยดูสว่าง แม้ว่าจะเป็นโครงสร้างโลหะอันยิ่งใหญ่ที่มีความสูงถึง 300 เมตรก็ตาม มันแสดงถึงความสำเร็จทางเทคนิคที่โดดเด่นในยุคนั้น แต่ชาวปารีสไม่ยอมรับในทันที ปัจจุบันหอไอเฟลได้กลายเป็นสัญลักษณ์ของเมืองไปแล้ว

ในศิลปะยุโรปและอเมริกาในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 – ต้นศตวรรษที่ XX การแพร่กระจายสไตล์ ทันสมัย(จากภาษาละติน modernus - ใหม่, สมัยใหม่) เรียกอีกอย่างว่า Art Nouveau ในฝรั่งเศสและอังกฤษ (จาก French art nouveau - ศิลปะใหม่; ตามชื่อร้านค้า-โชว์รูมของชาวปารีส "House of New Art"), Art Nouveau ในประเทศเยอรมนี (จากภาษาเยอรมัน Jugendstil - สไตล์หนุ่ม; ตามชื่อของนิตยสารมิวนิก "Jugend", ส่งเสริมงานศิลปะใหม่), การแยกตัวออกในออสเตรีย-ฮังการี (จากภาษาละติน seccessio - การแยก, การจากไป; ตามชื่อของสมาคมเยาวชน ศิลปิน)

สัญญาณแรกของความทันสมัยปรากฏในประเทศยุโรปเกือบจะพร้อมกัน ศิลปินพยายามที่จะเอาชนะการผสมผสานและสร้างสไตล์สังเคราะห์ที่เป็นสากล ในงานศิลปะสมัยใหม่ รูปแบบที่มีอยู่ก่อนหน้านี้จำนวนมากพบการตีความใหม่อย่างน่าประหลาดใจ นี่ไม่ใช่แค่การเลียนแบบรูปแบบภายนอกซึ่งเป็นลักษณะของการผสมผสาน แต่เป็นการใช้ความสำเร็จของวัฒนธรรมโลกอย่างมีสติ

การเกิดขึ้นของสุนทรียศาสตร์แบบอาร์ตนูโวดั้งเดิมและมีชีวิตชีวาได้รับการอำนวยความสะดวกโดยแนวคิดเรื่องการสังเคราะห์ศิลปะ สถาปัตยกรรมถือเป็นพื้นฐานของการสังเคราะห์โดยผสมผสานศิลปะรูปแบบอื่น ๆ ทั้งหมดตั้งแต่การวาดภาพไปจนถึงแฟชั่น รูปแบบใหม่ครอบคลุมถึงการก่อสร้างที่อยู่อาศัย สภาพแวดล้อมในเมือง ของตกแต่งบ้าน เสื้อผ้า เครื่องประดับ วิจิตรศิลป์และมัณฑนศิลป์ และโรงละคร ผลงานสไตล์อาร์ตนูโวมีความซับซ้อนมาก: มีลักษณะเป็นเส้นเรียบของรูปทรง การผสมสีที่ตัดกัน การตกแต่งภาพวาด เฟอร์นิเจอร์ โคมไฟ ตุ๊กตา พรมและกระจก ประติมากรรมอาร์ตนูโวโดดเด่นด้วยความลื่นไหลของรูปแบบและภาพเงาที่แปลกประหลาด (French A. Bourdelle, A. Maillol) ในศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ การเปรียบเทียบและสะท้อนของการมีชีวิตและไม่มีชีวิต ความเป็นจริงและจินตนาการ (เซรามิกของชาวสเปน A. Gaudi) ได้รับการแสดงออกมาอย่างชัดเจนเป็นพิเศษ

หลักการของการเปรียบเทียบรูปร่างที่มนุษย์สร้างขึ้นกับของธรรมชาติและในทางกลับกันก็เป็นหนึ่งในหลักการสำคัญในสุนทรียภาพสมัยใหม่ ศิลปินได้รับแรงบันดาลใจจากพืช เปลือกหอย ลำธาร

น้ำ เส้นผม ฯลฯ ซึ่งสะท้อนให้เห็นในรูปแบบสถาปัตยกรรม รายละเอียดของอาคาร ในเครื่องประดับที่ได้รับการพัฒนาอย่างพิเศษ ยิ่งไปกว่านั้นในฐานะต้นแบบ

หอไอเฟล. ปารีส

จี. กิมาร์ด.ทางเข้าชั้นล่างของสถานีรถไฟใต้ดิน

รูปทรงและเครื่องประดับในอาร์ตนูโวเป็นรูปแบบของอดีต ซึ่งต้องอาศัยการคิดใหม่อย่างรุนแรงด้วยสไตล์ ฐานรากโค้งของรูปแบบสถาปัตยกรรมการออกแบบไม้ปาร์เก้แผ่นผนังโครงร่างของเฟอร์นิเจอร์องค์ประกอบที่ยอดเยี่ยมของเครื่องประดับและงานศิลปะประยุกต์อื่น ๆ ประสบความสำเร็จในการรวมเป็นหนึ่งเดียว เส้นสายของเครื่องประดับสื่อถึงความตึงเครียดทางจิตวิญญาณ อารมณ์ และสัญลักษณ์ การขาดการแบ่งแยกประเภทและประเภทของงานศิลปะภายใต้กรอบของความทันสมัย ​​นำไปสู่การขาดความเป็นอิสระในการวาดภาพ ภาพกราฟิก และประติมากรรม ศิลปินหลายคนประสบความสำเร็จเท่าเทียมกันในด้าน "ขาตั้ง" และ "ประยุกต์" คุณลักษณะที่สำคัญของความทันสมัยคือการดึงดูดประเพณีของชาติ

สถาปัตยกรรม.สถาปัตยกรรมอาร์ตนูโวแสดงถึงการผสมผสานระหว่างองค์ประกอบโครงสร้างและการตกแต่งแบบออร์แกนิก เนื่องจากโครงสร้างดังกล่าวต้องผ่านการคิดใหม่ด้านสุนทรียภาพและรวมอยู่ในระบบการตกแต่งของอาคาร ตัวอย่างการสังเคราะห์ศิลปะแบบองค์รวมมากที่สุดคือคฤหาสน์ ศาลา และอาคารสาธารณะในยุคอาร์ตนูโว ตามกฎแล้วพวกเขาถูกสร้างขึ้น "จากภายในสู่ภายนอก" เช่น พื้นที่ภายในเป็นตัวกำหนดรูปลักษณ์ของอาคาร ด้านหน้าของบ้านดังกล่าวมีลักษณะไม่สมมาตรและมีลักษณะคล้ายของเหลวซึ่งชวนให้นึกถึงทั้งรูปแบบธรรมชาติและผลลัพธ์ของความคิดสร้างสรรค์อิสระของประติมากร

สถาปนิกชาวสเปน อันโตนิโอ เกาดี้ (พ.ศ. 2395 – 2469) ได้รวบรวมแนวคิดของอาร์ตนูโวไว้ในอาคารของเขาอย่างเต็มตา โดยใช้ลวดลายทางประวัติศาสตร์และธรรมชาติอย่างเท่าเทียมกัน นอกจากอาคารแล้ว เขายังออกแบบเฟอร์นิเจอร์ รั้ว ประตู และราวบันไดที่น่าทึ่งด้วยลวดลายที่สลับซับซ้อนอีกด้วย เกาดีก็เหมือนกับชาวสเปนส่วนใหญ่ที่ชอบสีสันและรูปทรงมากมาย

ผลงานชิ้นหนึ่งของเกาดีในสไตล์อาร์ตนูโวคือ บ้านบาโลในบาร์เซโลนา สร้างขึ้นใหม่สำหรับนักอุตสาหกรรมรายใหญ่ สถาปนิกเปลี่ยนรูปแบบของบ้านโดยสิ้นเชิงโดยจัดอพาร์ทเมนท์กว้างขวางบนสามชั้นแรก ด้านนอกตกแต่งด้วยรั้วหินโค้งซึ่งเกิดจากการฉายระเบียงและหน้าต่าง ส่วนที่ยื่นออกมาเหล่านี้มีลักษณะคล้ายกับโครงกระดูกของสัตว์มหัศจรรย์ ด้านหน้าอาคารหลักดูเหมือนจะปกคลุมไปด้วยหนังงู ประดับด้วยกระจกแตกสีน้ำเงินเฉดสีต่างๆ หลังคาบ้านซึ่งมีสันคล้ายฟันบนหลังมังกรปูด้วยกระเบื้องนูน ระเบียงที่ชั้นบนมีลักษณะคล้ายหน้ากากคาร์นิวัล ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมชาวบาร์เซโลนาจึงเรียกอาคารหลังนี้ว่า "บ้านแห่งหน้ากาก" งานที่ทำเสร็จครั้งสุดท้ายของเกาดีคือ บ้านของมิลา,สอดคล้องกับกระแสสมัยใหม่ การปรากฏตัวของบ้าน Mila กระตุ้นให้เกิดความเชื่อมโยงกับหินที่มีการแกะสลักหน้าต่างและระเบียง ผนังด้านนอกเป็นลอนทำให้ได้เค้าโครงภายในที่อิสระและแปลกตา ในบ้านไม่มีห้องสองห้องที่เหมือนกัน ไม่มีมุมฉากและทางเดินตรง คุณสามารถเดินบนหลังคาได้ ปล่องไฟได้รับการตกแต่งเหมือนดอกไม้หิน และมีการสร้างป้อมปืน บันได และราวบันไดที่ดูแปลกตา

Eusebio Güell นักอุตสาหกรรมผู้มั่งคั่งและผู้ชื่นชมพรสวรรค์ของ Gaudi ได้เชิญสถาปนิกให้พัฒนาพื้นที่ชานเมืองทั้งหมดทางตะวันตกเฉียงเหนือของบาร์เซโลนา แผนดังกล่าวไม่ได้ถูกกำหนดให้บรรลุผลสำเร็จอย่างสมบูรณ์ แต่ Gaudi สามารถสร้างสวนสาธารณะที่น่าทึ่งในสถานที่เหล่านี้ ซึ่งก่อนหน้านี้ไม่มีน้ำและปราศจากความเขียวขจีเลย ที่นี่คุณสามารถชื่นชมความสมบูรณ์ของเอฟเฟกต์การตกแต่งที่ศิลปินทำได้โดยใช้กระเบื้องเซรามิกและโมเสก

บริเวณทางเข้ามีศาลา 2 หลัง หลังคากระเบื้องลอนคลื่น ตรงกลางเป็นห้องโถงเสา เรียกว่า ห้องโถงร้อยเสา (ถึงแม้จะมีเพียง 86 เสาก็ตาม) สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นได้จากการใช้องค์ประกอบสไตล์ดอริกที่ไม่ธรรมดาของสถาปนิก ด้านบนห้องโถงมีระเบียง ล้อมรอบด้วยม้านั่งโค้งยาวตกแต่งด้วยกระเบื้องโมเสกสีสันสดใส

จุดสุดยอดของความคิดสร้างสรรค์ของ Gaudi คือการก่อสร้าง โบสถ์ซากราดาฟามิเลีย(โบสถ์แห่งครอบครัวศักดิ์สิทธิ์) เริ่มดำเนินการในปี พ.ศ. 2427 ถือเป็นสัญลักษณ์ของความศักดิ์สิทธิ์แห่งศรัทธาคาทอลิก และกลายมาเป็นศูนย์กลางของอาคารที่ซับซ้อน

Sagrada Familia เป็นอาคารที่มีไม้กางเขนแบบละตินอยู่ในแผน มีโบสถ์น้อยเจ็ดแห่งรอบๆ มุขกลาง ในแผนภาพคลาสสิกนี้ สถาปนิกได้สร้างสัญลักษณ์เชิงพื้นที่ระดับที่สอง: เต็นท์ตรงกลางเหนือเป้าเล็ง (พระคริสต์) เสาสี่เสาที่สวมมงกุฎเต็นท์ (ผู้ประกาศข่าวประเสริฐ) รอบตัวเขา; แนวตั้งอีกอันหนึ่งอยู่เหนือแท่นบูชา (แมรี่); พอร์ทัลขนาดยักษ์สามแห่งสอดคล้องกับทางเข้าหลักและด้านข้าง เนื่องจากพื้นของวัดสูงกว่าระดับพื้นดิน 4 ม. บันไดจึงมีบทบาทอย่างมาก

อ. เกาดี้.โบสถ์ซากราดาฟามิเลีย. บาร์เซโลนา

อ. เกาดี้.บ้านของ Batlo บาร์เซโลนา

อาสนวิหารมีโครงสร้างดั้งเดิมมากมาย เช่น เสาบิดเกลียวที่ชั้นแรกของทางเดินกลางหลัก การสนับสนุนแบบเอียงด้วยเมืองหลวงที่ไม่สมมาตร - ชั้นที่สองและสาม ห้องใต้ดินของส่วนไฮเปอร์โบลิก ฯลฯ การขยายสาขาของส่วนรองรับนั้นน่าทึ่งมาก คล้ายกับต้นไม้ที่มีชีวิต ได้รับการออกแบบมาเพื่อขจัดแรงผลักดันและไม่จำเป็นต้องใช้ค้ำยันภายนอก กิ่งก้านของเสาแตกออก เติบโตไปบนพื้นผิวของห้องใต้ดินไฮเปอร์โบลิกที่มีช่องเปิดเหมือนดอกทานตะวัน ด้านบนเป็นชั้นสอง ดังนั้นความสูงของโถงกลางทั้งหมดจึงเต็มไปด้วยแสงที่กระจายมาจากด้านบน อาคารนี้ถูกมองว่าเป็นสิ่งมีชีวิตซึ่งดูเหมือนว่าจะงอกขึ้นมาจากพื้นดิน ลวดลายดอกไม้ยังใช้ในการตกแต่งและแกะสลักอีกด้วย กอธิคไม่รู้อะไรแบบนี้

เกาดีพยายามที่จะปรากฏตัวในสถานที่ก่อสร้างอย่างต่อเนื่องเพื่อที่ว่าเมื่อเห็นว่าอาคารมีรูปร่างอย่างไร หากจำเป็น เขาก็สามารถเปลี่ยนแปลงได้ทันที เขาไม่เคยมอบหมายให้ใครก็ตามในการดำเนินโครงการของเขา เมื่อสถาปนิกเสียชีวิตกะทันหันภายใต้ล้อรถรางในปี พ.ศ. 2469 เป็นเรื่องยากมากที่จะสานต่องานของปรมาจารย์ผู้เก่งกาจต่อไป ด้านหน้าของอาสนวิหารซึ่งสร้างขึ้นในสมัยของเราในสไตล์คิวบิสม์และตกแต่งโดยประติมากร D. Sabiracci นั้นตรงกันข้ามกับแผนของเกาดีโดยสิ้นเชิง และในความเห็นของเรา ไม่ได้แสดงถึงคุณค่าทางศิลปะมากนัก

เป็นที่ทราบกันดีว่าเกาดีต้องการสร้างโบสถ์ที่มีส่วนหน้าอาคาร 3 หลัง ซึ่งจะรวบรวมธีมต่างๆ ได้แก่ "การประสูติ" "ความรักของพระคริสต์" และ "การฟื้นคืนพระชนม์" ด้านหน้าแต่ละด้านจะต้องสวมมงกุฎด้วยหอคอยสี่หลัง เช่นเดียวกับที่ตกแต่งด้านหน้าด้านหน้าของการประสูติ ซึ่งสร้างเสร็จในทศวรรษปี 1950 ด้านหน้าอาคารอันโอ่อ่านี้สื่อถึงลวดลายดั้งเดิมของศิลปะคริสเตียนในรูปแบบดั้งเดิม โดยจำลองภาพสัตว์และพืชมากกว่าสองร้อยสายพันธุ์อย่างระมัดระวัง

แน่นอนว่าหากเกาดีสร้างโบสถ์เสร็จ เขาคงจะไม่พอใจกับโทนสีปัจจุบันที่ยังคงสีธรรมชาติของหินเอาไว้ ผลงานหลายชิ้นของเขาโดดเด่นด้วยเฉดสี วัสดุตกแต่ง และวิธีการหุ้มที่หลากหลาย

ข้อดีของเกาดี้อยู่ที่ว่าเขาสามารถดึงเอาสภาพแวดล้อมทางธรรมชาติออกมาและนำรูปแบบต่างๆ มากมายที่สถาปนิกรุ่นต่อรุ่นเคยผ่านมาเข้าสู่โลกแห่งสถาปัตยกรรมได้ เกาดีให้ความสนใจเป็นพิเศษกับพาราโบลอยด์ไฮเปอร์โบลิกและส่วนต่างๆ ของพาราโบลา ไฮเปอร์โบลอยด์ และรูปร่างที่ซับซ้อนอื่นๆ เขาครอบคลุมรูปแบบธรรมชาติด้วยการตกแต่งตามธรรมชาติ การสืบพันธุ์ของธรรมชาติ การเลียนแบบ กลายเป็นการปฏิวัติทางสถาปัตยกรรมอย่างแท้จริง

ประติมากรรม.ประติมากรชาวฝรั่งเศส เอมิล อองตวน บอร์เดลล์ (พ.ศ. 2404 - 2472) เป็นลูกศิษย์คนแรกของ O. Rodin จากนั้นจึงมองหาลวดลายในงานประติมากรรมอันเป็นลักษณะเฉพาะของสถาปัตยกรรม ผลงานที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดของ Bourdelle ในช่วงต้นทศวรรษ 1910 คือ "Dance" และ "Music" (ทั้งปี 1912) ตัวแรกถูกสร้างขึ้นภายใต้ความประทับใจในการแสดงในกรุงปารีสของนักเต้นชื่อดัง A. Duncan และ V. Nijinsky และอย่างที่สองนั้นมีพื้นฐานมาจากภาพนูนต่ำแบบโบราณที่วาดภาพนักเป่าขลุ่ยของหญิงสาว ในปีต่อ ๆ มา A. Bourdelle ได้สร้างอนุสาวรีย์ขี่ม้าสำริดให้กับนายพล Alvear วีรบุรุษของชาติซึ่งเป็นคำสั่งจำนวนมากจากรัฐบาลอาร์เจนตินา อนุสาวรีย์ที่โดดเด่น "ฝรั่งเศส" ซึ่งอุทิศให้กับการสิ้นสุดของสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง อนุสาวรีย์ของกวีโรแมนติกชาวโปแลนด์ A. Mickiewicz และคนอื่นๆ

อริสติด ไมโลล(พ.ศ. 2404-2487) เป็นบุตรชายของผู้ปลูกไวน์ (คำว่า maillol ในภาษาถิ่นคาตาลันแปลว่า "องุ่น") ศึกษาการวาดภาพและการทำพรมในปารีส และเมื่ออายุสี่สิบก็เริ่มทำงานประติมากรรม O. Rodin ไปเยี่ยมชมนิทรรศการส่วนตัวครั้งแรกของเขาและยกย่องผลงาน "Leda" (1902) อย่างสูง ประติมากรรมที่ดีที่สุดโดย A. Maillol – “เมดิเตอร์เรเนียน ความคิด" (2444 - 2448), "อิสรภาพที่ถูกล่ามโซ่" ( 2448 – 2449) – เป็นตัวแทนภาพผู้หญิง “Bound Freedom” คือเนื้อตัวของหญิงสาวผู้ทรงพลัง รวบรวมพลังสำคัญที่สามารถเปลี่ยนแปลงโลกได้ องค์ประกอบของประติมากรรมนั้นเรียบง่ายและมีเหตุผล ความเป็นพลาสติกของรูปแบบนั้นเป็นธรรมชาติและบริสุทธิ์

หลังจากคุ้นเคยกับต้นฉบับของประติมากรรมและสถาปัตยกรรมกรีกโบราณแล้ว A. Maillol รู้สึกมีความเกี่ยวข้องกับความคิดแบบพลาสติกของชาวกรีกโบราณ นี่คือลักษณะที่ปรากฏของประติมากรรมที่ชวนให้นึกถึงเทพธิดาโบราณ: "ฟลอรา" ที่สงบและชาญฉลาด (2454), "อิล-เดอ-ฟรองซ์" ที่สง่างาม (2453 - 2475), "ความสามัคคี" ที่อายุน้อยแข็งแกร่งและยืดหยุ่น (2483-2487) .

ในช่วงทศวรรษที่ 1930 Maillol เริ่มสนใจธรรมชาติมากขึ้น เขาสร้างประติมากรรมเชิงเปรียบเทียบ "ภูเขา" (พ.ศ. 2478 - 2481) "แม่น้ำ" (พ.ศ. 2482-2486) ความเรียบง่ายคลาสสิกของผลงานของ A. Maillol ได้ทำลายร่องรอยสุดท้ายของนักวิชาการและนำพวกเขากลับมาสู่ประติมากรรมแห่งศตวรรษที่ 20 รากฐานอันเก่าแก่ ความงดงาม และความกลมกลืน

จิตรกรรม.จิตรกรรมอาร์ตนูโวมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการตกแต่งและการประดับตกแต่งทั้งหมด ผสมผสานกับรายละเอียดที่วาดอย่างสมจริง ศิลปินทำงานกับระนาบสีขนาดใหญ่ และเส้นขอบอันทรงพลังทำให้ภาพวาดมีเอฟเฟกต์การตกแต่งเพิ่มเติม

ตัวอย่างที่เด่นชัดคือภาพวาดของศิลปินชาวเช็ก อัลฟองเซ่ มูชา (พ.ศ. 2403 – 2482) ในแผงตกแต่ง เขามักจะทำซ้ำธีมที่เขาชื่นชอบ: ผู้หญิงผมสลวย ลำต้นหรูหรา ดอกไม้ แบบจำลองที่เป็นเอกลักษณ์สำหรับการผสมผสานสไตล์อาร์ตนูโวที่หลากหลายคือหนังสือ "เอกสารตกแต่ง" ของ A. Mucha (1902) และ "ภาพตกแต่ง" (1905) ศิลปินได้สร้างภาพวาดประวัติศาสตร์ชุดใหญ่ "Slavic Epic" โดยที่พื้นฐานของคติชนได้รับการเสริมด้วยสัญลักษณ์ ผลงานล่าสุดของ A. Mucha คือการประพันธ์โคลงสั้น ๆ เรื่อง Three Ages โปสเตอร์ของศิลปินซึ่งใช้เส้นเกลียว การม้วนผมที่ซับซ้อน และสีที่วิจิตรงดงาม ทำให้ศิลปินประสบความสำเร็จอย่างมาก

ศิลปินชาวออสเตรีย กุสตาฟ คลิมท์ (พ.ศ. 2405-2461) – หนึ่งในตัวแทนหลักของสไตล์อาร์ตนูโว ในช่วงเริ่มต้นอาชีพของเขา เขาออกแบบโรงละครและพิพิธภัณฑ์เวียนนา ในปี พ.ศ. 2440 Klimt เป็นผู้นำกลุ่ม Vienna Secession ซึ่งเป็นสมาคมของศิลปินชาวออสเตรียที่รวมตัวกันเพื่อทำลายศิลปะเชิงวิชาการและสร้างระบบใหม่

ผลงานสำคัญชิ้นหนึ่งของ Klimt คือ "บีโธเฟน ฟรีซ"(พ.ศ. 2444 - 2445) - จิตรกรรมฝาผนังมากกว่า 34 เมตรที่แสดงถึงแนวคิดในการกอบกู้มนุษยชาติผ่านงานศิลปะสะท้อนถึงซิมโฟนีที่เก้าของผู้แต่ง นอกจากภาพวาดฝาผนังที่เต็มไปด้วยสัญลักษณ์เปรียบเทียบและสัญลักษณ์แล้ว Klimt ยังสร้างภาพบุคคลที่สวยงาม ซึ่งส่วนใหญ่เป็นผู้หญิง คุณลักษณะที่เป็นลักษณะเฉพาะของงานเหล่านี้คือการผสมผสานระหว่างความเป็นจริงและการตกแต่ง - ความสัมพันธ์ของภาพที่เป็นธรรมชาติโดยทั่วไปของร่างกายมนุษย์กับพื้นผิวประดับ Klimt ใช้การผสมผสานระหว่างคราบกระเบื้องโมเสคที่สดใสและพื้นผิวที่ทาสีอย่างเรียบเนียน สไตล์อันเป็นเอกลักษณ์ของศิลปินมีส่วนช่วยในการถ่ายทอดสิ่งที่เขาบรรยายออกมาสู่โลกแห่งความงามอันน่ากลัว

ในรูปภาพ “จูดิธ”(1901) Klimt ตรงกันข้ามกับตำนานเกี่ยวกับความสูงส่งของนางเอกนำเสนอเธอเป็นผู้หญิงที่ "ถึงแก่ชีวิต" (ดูสีรวม) เสื้อผ้าของจูดิธที่ปกคลุมไปด้วยลวดลายที่ซับซ้อน รวมกันเป็นหนึ่งเดียวโดยมีพื้นหลัง ในการจัดองค์ประกอบนี้ ศิลปินใช้สีทองเป็นครั้งแรก ทำให้ภาพวาดมีการตกแต่งมากยิ่งขึ้น สีทองจะกลายเป็นสีโปรดของคลิมท์ ร่างเปลือยครึ่งตัวถูกวาดด้วยลายเส้นอันนุ่มนวล เรียบเนียน เต็มไปด้วยความงามอันเย้ายวน ภาพนี้มักเกี่ยวข้องกับตัวละครที่สำคัญต่องานของ Klimt ซึ่งเขาเรียกว่า Nuda veritas (ภาษาละตินแปลว่า "ความจริงที่เปลือยเปล่า") ร่างเปลือยของผู้หญิงของ Klimt แสดงถึงสัญชาตญาณทางราคะที่นำมาซึ่งความชั่วร้าย แต่ความงามของภาพวาดของเขากลับชวนให้หลงใหล

ภูมิทัศน์ของ Klimt มีลักษณะคล้ายกับแผงตกแต่งอันวิจิตรงดงาม สิ่งที่ดีที่สุดของพวกเขา ("สวนชาวนาพร้อมดอกทานตะวัน", "ตรอกในสวนสาธารณะหน้าพระราชวัง Kammer") ศิลปินใช้เทคนิค pointillism (การวาดภาพด้วยลายเส้นแยกกัน) ดังนั้นสีจึงเปล่งประกายระยิบระยับและระยับ

ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Klimt มีลักษณะเฉพาะของ Art Nouveau: ชอบสัญลักษณ์, เอฟเฟกต์การตกแต่งที่ผิดปกติ, ความปรารถนาที่จะทดลองใช้สีและวัสดุ (“ The Kiss”, “ Solomea”, “ Judith and Holofernes”, “ The Three Ages” ของผู้หญิง”, “ภาพเหมือนของ Adele Bloch-Bauer” I »),

ศิลปะภาพพิมพ์ภายในกรอบของ Art Nouveau กราฟิกหนังสือและนิตยสาร (O. Beardsley ในอังกฤษ, O. Redon ในฝรั่งเศส) โปสเตอร์และโปสเตอร์ (A. Toulouse-Lautrec และ E. Grasse ในฝรั่งเศส, A. Mucha ในสาธารณรัฐเช็ก) กลายเป็น แพร่หลาย

ความคิดสร้างสรรค์กราฟิกภาษาอังกฤษ ออเบรย์ วินเซนต์ เบียร์ดสลีย์ (พ.ศ. 2415 - 2441) มีอิทธิพลสำคัญต่อการแสดงออกของสไตล์อาร์ตนูโวทั้งหมด ภาพวาดของศิลปินมีความประณีตและการตกแต่ง การล่อลวงและความชั่วร้ายเกี่ยวพันกันอย่างประณีต ภาพวาดของ Beardsley หลายภาพเป็นเรื่องอื้อฉาวอย่างเปิดเผย

งานสำคัญชิ้นแรกของศิลปินคือภาพประกอบสำหรับหนังสือ “Le Morte d’Arthur” โดย T. Malory ภาพส่วนใหญ่ใช้คอนทราสต์ของพื้นหลังสีเข้มและสีสว่าง ความยืดหยุ่นที่ประณีตมีอยู่ในดีไซน์ของดอกไม้ ต้นไม้ และคลื่นทะเล การเคลื่อนไหวของตัวละครมีการแสดงออก ภูมิทัศน์ที่มีสวนสาธารณะอันร่มรื่นทำให้ฉากนี้มีความโรแมนติกที่ลึกลับ ภาพประกอบสำหรับบทละคร "Salome" ของ O. Wilde มีความโดดเด่นด้วยการเล่นเส้นและเงาอย่างฟุ่มเฟือยบนพื้นหลังสีอ่อน ในงานศิลปะที่ซับซ้อนของ Beardsley ภาพในยุคและสไตล์ต่างๆ ได้รับการคิดใหม่จากมุมมองของช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 ซึ่งไม่ต้องสงสัยเลยว่ามีความสำคัญต่อความทันสมัย

คำถามและงาน

1). ลักษณะทางโครงสร้างและศิลปะหลักของหอไอเฟลคืออะไร

2). อ่านการเปรียบเทียบระหว่างหอไอเฟลกับแจกัน Dipylon ของกรีกโบราณ ซึ่งสร้างโดยนักวิจารณ์ศิลปะ วี. โพลวอย: “ผลงานชิ้นที่น่าประทับใจขนาดเท่ามนุษย์ชิ้นนี้ ดูเหมือนจะไม่ได้แกะสลักจากดินเหนียว แต่สร้างขึ้นและราวกับประกอบจากดินเหนียว องค์ประกอบทางเรขาคณิตประเภทเดียวกัน แจกันถูกสร้างขึ้นเหมือนหอคอย โดยสร้างชั้นเครื่องประดับขึ้นเหนืออีกชั้นหนึ่ง ลวดลายเหล่านี้แสดงถึงการออกแบบและวิธีการทำแจกัน การออกแบบและรูปทรงของแจกัน และอื่นๆ อีกมากมายที่ผู้คนในโลกยุคโบราณรู้จัก

แต่สิ่งที่โดดเด่นที่สุดคือแจกัน "สไตล์เรขาคณิต" ดูเหมือนโครงสร้างทางวิศวกรรมบางอย่าง มันชวนให้นึกถึงอาคารยุคใหม่อย่างน่าทึ่ง ไม่ผิดหรอกที่นี่ ต่อหน้าเราคือภาพหลอนของหอไอเฟลโบราณ! แน่นอนว่านี่ไม่ใช่หอคอยแห่งปารีสหรือแฝดโบราณ ความจริงก็คือในการออกแบบโครงสร้างฉลุที่ทำจากชิ้นส่วนมาตรฐานในภาพวาดเรขาคณิต รูปแบบของจิตรกรรมฝาผนังเหล่านี้บ่งบอกถึงภาพวาดสำหรับโครงการขนาดใหญ่ และสุดท้าย หอไอเฟลและแจกัน Dipylon ไม่ใช่ที่ฝังอยู่ในแนวคิดเดียวกันของความสามัคคีที่คำนวณทางคณิตศาสตร์ซึ่งควบคุมการแปรสัณฐานและสัณฐานวิทยาของพวกมันไม่ใช่หรือ?

บุคคลเจาะลึกถึงความเชื่อมโยงภายในที่มองไม่เห็นของสิ่งต่าง ๆ ในรูปแบบของการเคลื่อนไหวของปรากฏการณ์ หลักฐานของสิ่งนี้คือรูปแบบเรขาคณิตเชิงนามธรรมที่มีสายสัมพันธ์เชิงตรรกะ: เป็นบรรทัดฐานที่ซ้ำซากจำเจ จิตใจที่พัฒนาแล้วและมือที่มีทักษะของปรมาจารย์กำลังทำงานอยู่ที่นี่ มันเป็นกิจกรรม ไม่ใช่ความประทับใจและประสบการณ์ เครื่องประดับนี้รวบรวมประสบการณ์การวัดและการนับแบบโบราณไว้อย่างชัดเจน ไม่ทราบบทความทางคณิตศาสตร์และตำราเรียนในยุคโฮเมอร์ริก แต่มีอนุสรณ์สถานแห่งความรู้ทางคณิตศาสตร์ในยุคนั้นอยู่ นั่นคือแจกัน Dipylon ที่ยอดเยี่ยม!

สำหรับหอไอเฟล การก่อสร้างถือเป็นหน้าประวัติศาสตร์อันรุ่งโรจน์ในประวัติศาสตร์ของเครื่องประดับทรงเรขาคณิต ซึ่งในศตวรรษที่ 19 และ 20 ถูกพัดพาไปด้วยความเต็มใจหรือไม่เต็มใจ ตัวหอคอยยังคงเป็นปรากฏการณ์ที่น่าทึ่ง: คณิตศาสตร์ที่รวบรวมไว้ในศิลปะด้วยโลหะ

มาเพิ่มข้อสรุปกัน ความผันผวนของ "รูปแบบเรขาคณิต" บางครั้งก็เกี่ยวพันกับคุณสมบัติที่ไม่ธรรมดา รูปทรงเรขาคณิตของยุคโบราณและสมัยใหม่สามารถทำให้อ่อนลงได้ด้วยเส้นและรูปทรงที่เรียบลื่นซึ่งมีอยู่ในโลกออร์แกนิก ในรูปทรงและปริมาตรของแจกันและหอคอย ค่อนข้างเป็นไปได้ที่จะมองเห็นลวดลายเกี่ยวกับมานุษยวิทยา และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง

Dipylon amphora จากสุสานในกรุงเอเธนส์

ทั้งหมดนี้สามารถจินตนาการหรือจินตนาการได้อย่างง่ายดาย…”

คุณคิดว่าการเปรียบเทียบนี้ยุติธรรมหรือไม่ คุณเห็นด้วยกับผู้เขียนทุกเรื่องหรือไม่?

3). ตั้งชื่อคุณสมบัติหลักของสไตล์อาร์ตนูโว

4) หลักการใดที่เป็นกุญแจสำคัญในสุนทรียภาพสมัยใหม่?

5) บอกเราเกี่ยวกับงานของ A. Gaudi

6) เปรียบเทียบส่วนหน้าของ Sagrada Familia ที่สร้างโดย Gaudi เองและสถาปนิกสมัยใหม่ คุณคิดว่าการผสมผสานสไตล์ที่แตกต่างกันในอาคารเดียวเป็นเรื่องถูกกฎหมายหรือไม่ เพราะเหตุใด

7) เปรียบเทียบมหาวิหาร Sagrada Familia ของ A. Gaudi และมหาวิหาร Chartres แบบโกธิกในฝรั่งเศส

8) บอกเราเกี่ยวกับงานของ A. Bourdelle และ A. Maillol

9) อะไรคือลักษณะเด่นที่สุดของภาพวาดของ A. Mucha?

10) G. Klimt รวบรวมคุณสมบัติของความทันสมัยในการวาดภาพได้อย่างไร?

11) อธิบายกราฟิกของ O. Beardsley

12) งานอาร์ตนูโวไหนที่คุณชอบมากกว่างานอื่น? พิสูจน์ทางเลือกของคุณ