25.03.2024

John Singer Sargent - biografia e pinturas do artista no gênero Realismo, Impressionismo - Art Challenge. Horóscopos de artistas

Hoje, o Retrato de Madame X, de John Singer Sargent, é considerado uma representação brilhante da beleza clássica e da feminilidade. No entanto, em 1884, quando este retrato foi pintado, eclodiu um escândalo.

1. Sargent simplesmente implorou à modelo que posasse para um retrato

"Madame X" era na verdade Madame Virginie Gautreau, uma expatriada americana cuja beleza era conhecida em Paris. Ela recebia convites frequentes de artistas que queriam pintar seu retrato, mas invariavelmente os recusava.

Gautreau conheceu Sargent graças ao fato de terem um amigo em comum, a quem o artista certa vez escreveu: "Tenho muita vontade de pintar o retrato dela. Também tenho todos os motivos para pensar que ela permitirá isso porque está esperando por alguém , "Quem consegue transmitir toda a sua beleza. Você poderia dizer a ela que sou um homem de um talento incrível." Finalmente, após dois anos de persuasão, o glamoroso Gautreau concordou em posar para Sargent em 1883.

2. “Madame X” é estranhamente pálida

Para conseguir uma tez tão pálida, que um historiador da arte mais tarde apelidou de “sombra de cadáver”, Gautreau (dizem que há rumores) tomou arsénico. Pesquisadores modernos acreditam que ela usou pó de arroz moído e lavanda, e também dourou as orelhas e tingiu o cabelo com hena.

3. O estilo do retrato foi influenciado pela arte antiga.

O penteado de Madame X é claramente inspirado na antiga era helenística. E a sua tiara de diamantes é uma alusão a Diana, deusa da caça e da lua.

4. Gautreau era um modelo muito ansioso

Depois que Sargent pintou o retrato, ele criou uma série de esboços para experimentar diferentes poses e adereços. Gautreau, com a cabeça virada, bebia champanhe em uma taça, recostada no sofá. No entanto, ela constantemente se mexia, pulava de vez em quando e logo exigia uma pausa de um ano antes da próxima pose. O artista reclamava que precisava lutar constantemente contra a preguiça desesperada de Madame Gautreau e também “que sua beleza era impossível de retratar”.

5. Sargent inicialmente duvidou que tivesse feito um bom retrato.

Sargent decidiu criar “Retrato de Madame X” para fortalecer sua reputação no mundo da arte francesa, mas depois de terminar sua criação, duvidou por muito tempo que tivesse conseguido o que queria.

6. A imagem causou uma tempestade de indignação após a primeira exibição

Apesar do humor sombrio de Sargent, o Retrato de Madame X foi exibido no Salão de Paris em 1884. Mas em vez de furor, a imagem causou indignação e choque entre o público. Os críticos ridicularizaram os ombros quase nus da modelo, a pele pálida e as orelhas rosadas, considerando isso um sinal de vulgaridade.

7. A imagem prejudicou muito a reputação da própria modelo.

Antes da exibição do filme, Virginie Gautreau já era alvo de fofocas por seu comportamento provocativo e casos extraconjugais indiscretos. Muitos sentiram que o retrato de Sargent expôs efetivamente ao público todos os segredos sujos de Gautreau. Após o show de estreia, a mãe de Gautreau, Marie de Virginie de Ternan, foi até Sargent com um escândalo, declarando: "Paris inteira está zombando de minha filha. Sua reputação está arruinada. Ela morrerá de frustração."

8. A mãe de Gautreau queria retirar a pintura da exibição

De Ternan exigiu que Sargent retirasse o retrato da exposição, mas o artista recusou. Depois disso, de Ternan foi ao Salão de Paris, mas seus dirigentes também se recusaram a retirar a pintura da mostra. No final das contas, devido a inúmeros escândalos, Sargent retirou a pintura da exposição e não a mostrou a ninguém por muitos anos.

9. Críticas duras forçaram Sargent a redesenhar parcialmente a pintura.

Após a estreia de “Retrato de Madame X”, as pessoas acharam que a alça do vestido de Gautreau, provocantemente abaixada, era muito vulgar. Mais tarde, Sargent redesenhou a alça, “levantando-a” sobre o ombro.

10. "Retrato de Madame X" tornou Sargent famoso no exterior

O escândalo em torno do retrato na França forçou Sargent a deixar o país. Ele se mudou para Londres e depois para Nova York. Quando ele exibiu a pintura novamente em 1905, tanto americanos quanto britânicos ficaram encantados com a habilidade de Sargent. Como resultado, o artista retomou seu trabalho.

11. Uma cópia incompleta da pintura é mantida em Londres

Enquanto trabalhava em “Retrato de Madame X”, Sargent fazia simultaneamente uma segunda versão da pintura, que agora está exposta na Tate Gallery, em Londres.

12. A imagem é maior que o modelo real

O tamanho do "Retrato de Madame X" é 234,85 × 109,86 cm.

13. Sargent considerou o retrato sua maior obra.

Inicialmente, Sargent esperava que seu retrato da beleza hipnotizante determinasse toda a sua carreira futura. No final, foi assim que tudo funcionou. "Retrato de Madame X" não é apenas a obra mais polêmica de Sargent, mas também sua obra mais famosa. Embora a reação inicial ao retrato tenha sido terrível, a pintura foi posteriormente reconhecida como brilhante. Durante 30 anos, Sargent não mostrou a pintura a ninguém, mas depois vendeu-a ao Metropolitan Museum of Art em 1916, admitindo: “Suponho que seja o melhor trabalho que criei”.

14. Mesmo décadas depois, Sargent estava preocupado com a reputação de seu modelo.

Ao vender o quadro, ele insistiu para que o nome de Gautreau não fosse divulgado.

15. Gautreau esperava que outro retrato a fizesse parecer diferente.

Embora a reputação de Gautreau tenha sido prejudicada pelo Retrato de Madame X, ela não morreu de frustração, como sua mãe havia profetizado. Ela retirou-se da vida social por vários anos, mas depois voltou. Em 1891, Gustav Courtois pintou outro retrato de Gautreau de perfil, usando um vestido ainda mais revelador e de estilo semelhante. Desta vez o público reagiu de forma mais favorável ao retrato. Em 1897, Virginie Gautreau posou para outro retrato pintado por Antonio de la Gandara. Foi a obra de de la Gandaraona que ela considerou a sua melhor imagem.

Continuando com o tema dos retratos, gostaria de entender qual é hoje uma das obras mais famosas do mestre.

Madame Gautreau propõe um brinde, John Singer Sargent, 1883

John Singer Sargent (John Singer Sargent, 12 de janeiro de 1856, Florença - 15 de abril de 1925, Londres) - Artista americano, primo do famoso botânico Charles Sargent, um dos pintores de maior sucesso da Belle Époque, escreve na Wikipedia.

Vista de uma janela em Gênova, 1911

Na varanda, Ilha de Man

Leitura no desfiladeiro de Simplon, Suíça, 1911

Passo Simplon. Guarda-chuva Verde, 1911

Senhorita Henrietta Reubel

Senhorita Éden

Duas mulheres dormem num barco sob os salgueiros

Rio dell Angelo (Rio do Anjo)

Banhistas, 1917

Zombaria. Passo Simplon, 1911

Fonte da Villa de Marlia, 1910

Barco na água perto da costa da ilha de Capri

Ilha de Corfu, 1909

Xale de caxemira, 1910

Margaret Hyde, 19ª Duquesa de Suffolk, 1898

Dorothy Barnard, 1885

Senhorita Wedgwood e Senhorita Sargent, 908

Fonte espanhola, aprox. 1902

Sra.

Fonte de mármore em Aranjuez Espanha

Sra. Gardner de branco, 1922

Sra. Cecil Wade, 1883

No convés do iate Constellation, 1922

Terraço na ilha de Corfu, 1909

Fonte "Vaso", Pocantico

Retrato de Mary Crowninshield por Endicott Chamberlayne, 1902

Dormindo roxo

Palmeiras na Flórida, 1917

Duquesa Laura Spinola Nuñez del Castillo

Sra. Charles E. Incese

Senhorita Matilda Townsend

Retrato da Sra. Leopold Hirsch

No Rio (Mulher na Margem), 1885

Moças da família Whisker, 1884

Duas mulheres dormindo em um barco sob os salgueiros, 1987

Companhia Umbrella (Siesta), 1905

Sra.

Vestido rosa, 1912

Mulher lendo com um xale de caxemira, 1909

No jardim de Corfu, 1909

Loggia na Villa Torre Galli

Ena e Betty, filha de Asher e Sra. Wertheimer

Caminhada matinal

Sra. Fiske Warren e sua filha Rachel

Escadarias da Igreja dos Santos Domingos e Sisto em Roma

Os frutos da cabaça, 1908

Café da manhã na loggia

muro de jardim

Winifred, Duquesa de Portland, 1902

Taças de vinho, 1874

À beira do rio, 1888

Obra inacabada "Madame Gautreau"

Paisagem com rosas

Cais de San Giuseppe de Castillo, Veneza, 1903-1904

Villa Marlia Lucca

Menina pescando

Quarto de hotel, 1906

Candelabro (Mulher com castiçal, Mulher com cigarro)

Marquesa de Curzon de Kedlestone, 1925

Jane de Glen em uma gôndola

Maud Glen Coates, Duquesa de Wellington, 1905

Garota na natureza

Cadeira velha

Senhora com um guarda-chuva

Senhora Agnew Lochnow

Casal nu dormindo

Mulher turca à beira do riacho, 1907

Granada, 1912

Reflexão, 1908-1910

Riacho da montanha, 1904-1907

Fluxo fervilhante, 1904

Um homem olha para o riacho Daosta-Pertide, 1907

Figura perto da lagoa, 1917

Jardins de Boboli, 1906

Paisagem perto de Florença, 1907

Brasão com escudo de Carlos V, 1912

Crucificação no Tirol, 1911

Rio dei mendicanti (Rio Divino), 1903

Veneza, 1911

Regata no Palácio Barboro

Grande Canal de Veneza, 1907

Canal em Veneza, 1903

Sob a Ponte Rialto, 1909

No canal, 1903

Pequeno Canal de Veneza, por volta de 1904

Barco com melões, por volta de 1905

Esboço: Ilha Giudecca, 1904

Barcos em Veneza, 1903

Palácio Grimani, 1907

Palácio Dodge, 1907

Fundação do palácio, 1904

Tarragona, Espanha, 1908

Num porto mediterrâneo, 1905-1906

Navios brancos, 1908

Café em Riva degli Schiavoli, 1880-1882

Ponte Rialto, Veneza, 1907-1911

Fonte Espanhola, 1912

Corfu, luz e sombras, 1909

Cemitério no Tirol, 1914

Perseu à noite, 1907

Escultura de Perseu, Florença, 1907

Retrato de Mary Hartrice, 1893-1894

Lady Helen Vincent, Viscondessa d'Abernon, 1904

Senhoras Alexandra, Maria e Theo Acheson, 1902

Retrato de Pauline Astor, 1898–1899

Condessa Rocksavage, 1913

Condessa Rocksavage, 1922

Condessa Lethom, 1904

Sylvia Harrison, 1913

Condessa Sofia Illarionovna Demidova, 1896

Sra. Winston Pipps (Jesse Percy Butler Duncan), 1884

Sra. William Russell Cook, 1895

Sra.

Sra. Philip Leslie Agnew, 1902

Sra. Luís Rafael, 1906

Sra. Iain Hamilton (Jean Moire), 1896

Sra. Hamilton McCone Twombly (Florence Adele Vanderbilt), 1890

Sra. George Swinton, 1897

Lady Margaret Spicer, 1906

Lady Macy-Thompson, 1901

Aizmi Vickers, 1907

“Viver com as aquarelas de Sargent é como viver com a luz do sol captada e retida.” “Não pude apreciar esta declaração feita por Evan Charteris, amigo e biógrafo de Sargent, até que vi vários deles com meus próprios olhos. Marquei uma consulta no Museu de Belas Artes de Boston para ver 10 aquarelas de Sargent. Quando entrei na sala onde eles estavam pendurados, fui simplesmente derrubado. Eles estavam tão frescos e cheios de luz; pareciam ter sido escritos ontem, não há 90 anos. Ainda estou impressionado com a capacidade de Sargent de pintar a ilusão da realidade enquanto o resultado final parece uma pintura.

Sargent nasceu em 1856, filho de pais americanos, em Florença, Itália. E embora sempre se tenha considerado americano, viveu quase toda a sua vida na Europa, vindo à América apenas para visitar familiares e amigos. Ele cresceu falando quatro idiomas, lia muito bem, tocava piano lindamente e desenvolveu uma paixão pela arte e pela arquitetura.

Em 1874, aos 18 anos, foi aceito no ateliê de Carolus-Durand, um retratista progressista em Paris. Carolus-Durand ensinou uma abordagem ala prima da pintura, baseada em um estudo cuidadoso das gradações tonais. Ao mesmo tempo, Sargent ingressou na École des Bieu-Arts para estudar desenho.

Sargent rapidamente se tornou o melhor aluno do ateliê, ganhando reconhecimento e até recebendo prêmios no Salão anual de Paris. Tais conquistas eram inéditas para um homem tão jovem. Três anos e meio depois, Sargent abriu seu próprio estúdio em Paris com o objetivo de desenvolver uma carreira como pintor de retratos.

Os primeiros anos de Sargent em Paris foram promissores. Os retratos exibidos nos Salões anuais receberam elogios da crítica, o que o ajudou a ganhar reputação como um jovem e talentoso artista contemporâneo. Em Paris, Sargent pintou retratos encomendados por clientes americanos e franceses, e vários também foram encomendados da Inglaterra. Nesse período, fez questão de não se limitar aos retratos, expondo no Salão pinturas de gênero e obras de arte independentes.

Em 1883, Sargent foi convidado a pintar um retrato de M. Pierre Gouthreau (Madame X), esposa de um rico banqueiro parisiense. Ela era, como dizem, uma “beleza profissional”, e ele esperava que o retrato chamasse a atenção do Salão e trouxesse algumas encomendas. Mas o efeito foi exatamente o oposto quando foi exibido no Salão de 1884. Tudo foi um choque - a cor, o decote baixo do vestido e a pose arrogante causaram escândalo.

Em 1996, sem perspectivas de carreira em Paris, Sargent fechou seu estúdio e mudou-se para Londres. Logo ocupou um estúdio na Tite Street, onde permaneceu até sua morte em 1925. Antes dele, o estúdio foi ocupado por J. MacNeil Whistler.

Na Inglaterra, diante da falta de encomendas de retratos, Sargent voltou-se para paisagens e pinturas de gênero. Ele passou os verões de 1885 a 1889 na companhia de artistas plein air ingleses e americanos nas proximidades da vila de Broadway. Este período de Sargent foi chamado de impressionista. Sargent familiarizou-se muito com os impressionistas enquanto vivia em Paris. Ele se tornou amigo de Monet e às vezes até pintava com ele ao ar livre.

A maior influência de Sargent no Impressionismo foi a cor. Ele experimentou uma paleta mais brilhante e sem nuvens e desenvolveu um interesse especial no efeito da luz na cor e, especialmente, em como diferentes superfícies refletem e absorvem a luz.

Seu interesse pela cor, luz, sombra e reflexo seria central em suas aquarelas. Às vezes, tentar capturar um efeito óptico específico será a única razão para pintar.

De 1887 até o final do século, Sargent estabeleceu sua reputação como pintor de retratos, primeiro nos Estados Unidos e depois na Inglaterra. Tornou-se o retratista mais procurado pela aristocracia e por aqueles que queriam aparecer como tal nos dois lados do Atlântico. Ter um retrato de Sargent significava “se tornar realidade”. Em 1900, Sargent tornou-se muito próspero e sobrecarregado de encomendas de retratos.

A partir do início da década de 1890, Sargent também se envolveu profundamente em uma série de murais monumentais para edifícios públicos em Boston, aos quais dedicou grande parte de suas energias nos anos restantes.

Embora tenha crescido desenhando em aquarela, Sargent não dedicou atenção profissional a isso até chegar aos cinquenta anos. As viagens e a vontade de pintar ao ar livre influenciaram particularmente a utilização deste material. Em 1900, Sargent começou a organizar longas férias de verão para si, que duravam de 3 a 4 meses. Isso foi ditado pelo desejo de evitar o estresse que o trabalho constante em retratos causava. Durante as férias pintou a óleo e aquarela. Logo mudou completamente para a aquarela, como o material mais móvel e capaz de transmitir os efeitos da luz, o que mais interessava a Sargent. Geralmente viajava rodeado de familiares e amigos, muitos dos quais eram artistas.

Sargent geralmente se retirava para lugares onde pudesse pintar ao ar livre. Preferiu os lugares que visitou quando criança: os Alpes, lagos da Itália, Veneza e Espanha. Durante muitos anos, Sargent pintou repetidamente os mesmos temas: as cordilheiras e corredeiras dos Alpes, jardins com esculturas clássicas, seus companheiros, às vezes em trajes exóticos, fragmentos de arquitetura, navios, geralmente do nível da água, e, claro , Veneza, frequentemente retratada em gôndolas.

Richard Ormond, historiador da arte, estudante e sobrinho de Sargent, escreveu: “Ele não escreveu porque foi para o exterior, ele foi para o exterior para escrever”. Os historiadores da arte concordam que os magistrais esboços em aquarela que Sargent fez depois de 1900 ocupam um lugar de destaque entre suas obras-primas e estabelecem sua reputação como um dos maiores pintores de aquarela da América.

Após sua morte, Sargent foi rapidamente esquecido. O mundo do modernismo o deixou para trás. Durante várias décadas ele foi marginalizado como um mero artista secular, enquanto o mundo da arte abraçava o cubismo, o surrealismo, o expressionismo e o abstracionismo de braços abertos.

Essa atitude começou a mudar em meados da década de 1950, quando o trabalho de Sargent começou a reaparecer em exposições e novos artistas descobriram a complexidade de sua personalidade e de sua arte. Suas aquarelas receberam atenção e elogios cada vez maiores de artistas emergentes e críticos de arte por seu virtuosismo e totalidade de qualidades.

Sargent era um observador consumado. Ele poderia expressar instantaneamente seus sentimentos em aquarela sem detalhes. Isto deu-lhe os meios para refinar e simplificar o seu vocabulário artístico.

Ele disse aos seus alunos da Royal Academy of Arts: “Desenvolvam um fluxo interminável de observação... a habilidade de seleção se seguirá... acima de tudo, quando estiver no exterior, olhe para a luz do sol e para tudo que você vê ao seu redor. ..”

Além de sua pintura monumental, ele pintou cerca de 600 retratos formais a óleo e mais de 1.500 pinturas de paisagens e gêneros em óleo e aquarela. O epitáfio em sua lápide diz: “Trabalhar é orar”. Para aqueles de nós que ainda nos inspiramos nas aquarelas de Sargent, esta declaração diz: "...viver com as aquarelas de Sargent é como viver com a luz do sol capturada e retida." Isso ainda é verdade hoje.

Texto: Jim Salchak

Top 10: fatos obscuros sobre grandes obras de arte

A Estátua da Liberdade, a Torre Inclinada de Pisa, a Torre Eiffel, "O Grito" de Munch e a Esfinge Egípcia são obras de arte famosas. No entanto, existem muitos factos intrigantes sobre estas grandes criações que escaparam à atenção da cultura popular. Quer sejam coisas que desapareceram anos atrás ou fatos que passaram despercebidos à vista de todos, há muitos aspectos interessantes de grandes obras de arte dos quais nunca ouvimos falar.

Sala secreta da Torre Eiffel

Existe um apartamento secreto no topo da Torre Eiffel. Este apartamento pertenceu a Gustave Eiffel, o engenheiro que criou esta torre. Em 1890, um ano após a inauguração da torre, o escritor francês Henri Girard disse que Gustave Eiffel era “objeto de inveja universal” entre os habitantes de Paris.

Segundo Girard, essa inveja não foi causada pela fama que Gustav adquiriu como criador da torre, nem pela fortuna que ela lhe trouxe. A inveja foi causada pelo apartamento no topo da Torre Eiffel, que lhe pertencia. Este apartamento, ao qual apenas Eiffel tinha acesso, era onde se hospedavam muitos convidados importantes de Paris. O mais famoso deles foi Thomas Edison. Segundo rumores, Eiffel recebeu várias ofertas financeiramente tentadoras de pessoas que queriam passar a noite neste apartamento.

Este apartamento, que permaneceu fechado durante muitos anos, foi recentemente aberto ao público. Hoje abriga manequins de Eiffel e Edison. As figuras de cera, que se assemelham muito aos modelos da vida real, retratam a cena em que Eiffel e sua filha Claire conhecem Edison. Os nomes dos 72 cientistas e engenheiros que participaram da sua criação também estão escritos na Torre Eiffel.

Inspiração para a pintura "O Grito"

O Grito de Edvard Munch é uma das pinturas mais lendárias do século 20, tão popular que foi roubada muitas vezes usando esquemas complexos.

Segundo Munch, ele se inspirou para pintar “O Grito” no dia em que, enquanto caminhava com amigos, viu “que o céu havia ficado vermelho como sangue”, e então se sentiu incrivelmente cansado e ouviu “o grande e interminável grito de natureza." Durante muitos anos acreditou-se que a inspiração de Munch era fictícia, mas recentemente foi descoberto que o céu estava realmente vermelho naquele dia como resultado da erupção do vulcão Krakatoa, na Indonésia.

Os efeitos da erupção vulcânica foram sentidos até em Nova York, onde o céu teria ficado vermelho. O mesmo efeito foi observado dois dias depois na cidade de Munchi, e um jornal local noticiou o evento escrevendo que “as pessoas pensaram que era um incêndio, mas na verdade era a refração vermelha da luz na atmosfera nebulosa após o pôr do sol”.

Embora o grito aterrorizante em si fosse fictício, o céu provavelmente estava vermelho.

Arquiteto desconhecido da Torre Inclinada de Pisa

A Torre Inclinada de Pisa, também conhecida como "Torre Pendente di Pisa", é ao mesmo tempo um monumento arquitetônico e um mistério. Embora a razão da sua famosa inclinação seja bem conhecida (tem uma base fraca), ninguém sabe quem é o seu criador.

A torre foi originalmente criada como um campanário independente para a Catedral de Pisa. Essas torres eram muito difundidas na Itália do século X, pois se acreditava que simbolizavam a riqueza e o poder da cidade. No entanto, a Torre Inclinada de Pisa foi construída para atrair pessoas à Catedral de Pisa.

A principal razão pela qual ninguém sabe quem criou a torre é o fato de que ela demorou 200 anos para ser construída. Anteriormente, os historiadores pensavam que o criador da torre era Bonanno Pisano, mas isso agora é contestado. Acredita-se agora que o arquiteto da torre foi provavelmente um homem chamado Diotisalvi, pois foi ele o criador do batistério e do campanário de San Nicola.

Corrente aos pés da Estátua da Liberdade

Em 2011, perguntaram à ex-governadora do Alasca, Sarah Palin, o que a Estátua da Liberdade simbolizava. Ela disse: "Para todos os americanos, é claro que é um símbolo que nos lembra outros países, porque nos foi dado, é claro, pelos franceses - outros países estão nos alertando para não cometermos os erros que alguns deles cometeram. feito." Infelizmente, Sarah Palin está absolutamente errada, pois o que ela disse é exactamente o oposto do que a Estátua da Liberdade representa. Aliás, assim como Sarah Palin, muitas pessoas desconhecem a ligação da estátua com a escravidão.

Edouard de Laboulaye, um famoso político e abolicionista francês, é o homem por trás da criação da Estátua da Liberdade. Ele foi um fervoroso defensor do presidente Lincoln, que lutou pela abolição da escravatura. A estátua não foi entregue aos Estados Unidos para alertar sobre irregularidades, como disse Palin. Foi concedido para homenagear e celebrar a liberdade, a democracia e a abolição de todos os tipos de escravidão. É por isso que há uma corrente quebrada aos pés da Estátua da Liberdade. Essa corrente geralmente permanece invisível para os turistas, pois está localizada sob o manto da estátua, na lateral da perna esquerda, e só é visível quando se olha a estátua de cima.

A barba perdida da Esfinge

Poucas pessoas estão familiarizadas com a história de por que a Esfinge não tem barba.

A Esfinge não foi originalmente construída com barba; ela foi adicionada muitos anos após a conclusão da construção. Talvez tenha sido adicionado para fazer a Esfinge parecer Horemakhet, um dos deuses egípcios. É possível que a barba também pretendesse comparar a Esfinge aos faraós egípcios, que muitas vezes usavam barbas artificiais como símbolo de poder e de sua conexão com o deus Osíris.

Um trigésimo da barba está atualmente no Museu Britânico. Foi doado ao museu pelo egiptólogo italiano Giovanni Caviglia, que escavou partes da Esfinge em 1817, quando a Esfinge estava quase totalmente coberta de areia. Vários outros pedaços da barba da Esfinge foram descobertos em 1925 e 1926, quando a areia foi novamente removida.

A música oculta de Da Vinci

Em 2007, Giovanni Maria Pala, um cientista da computação e músico italiano, afirmou ter descoberto notas musicais na famosa pintura de Da Vinci, A Última Ceia. Segundo Pal, se cinco linhas de pauta forem traçadas ao longo de toda a pintura, as mãos de Jesus Cristo, as mãos de seus apóstolos e os pães sobre a mesa representam notas musicais que podem ser compreendidas lendo da direita para a esquerda.

Da Vinci era conhecido por seu amor pela música e incluía enigmas musicais em suas notas que deviam ser lidas da direita para a esquerda. Alessandro Vezzosi, diretor do museu na Toscana dedicado a Da Vinci, considerou a suposição de Pal “provável”. Vezzosi também disse que da Vinci tocava lira e esboçou vários outros instrumentos musicais.

“Há sempre o risco de ver algo que não está ali, mas os intervalos (na pintura) estão divididos harmoniosamente”, disse. “Onde há proporções harmoniosas, sempre se encontra música.”

Problema com a pintura da Ponte Golden Gate

A Ponte Golden Gate detém o recorde de ser a ponte mais fotografada do mundo. Curiosamente, a Marinha dos EUA foi contra a construção da ponte porque temia que, se a ponte fosse bombardeada e desabasse, os seus navios ficariam presos na Baía de São Francisco. Posteriormente, a Marinha deu consentimento para a construção da ponte. Porém, eles não gostaram da cor com que pintariam a ponte. Junto com o Exército dos EUA, a Marinha queria que a ponte fosse pintada de preto com listras amarelas para que pudesse ser vista no nevoeiro.

No entanto, o arquiteto da ponte, Irving Morrow, tinha um plano diferente. Quando o aço da ponte chegou a São Francisco, já havia recebido uma primeira demão de tinta para preparar o aço para aplicações de pintura subsequentes. Naquela época, a maioria das pontes era pintada de cinza, marrom e preto. No entanto, Morrow pintou a ponte com uma cor "laranja internacional", semelhante à cor da tinta base. Esta cor não só fica bem em condições de nevoeiro, como também complementa e contrasta maravilhosamente com o azul do céu e as águas da baía.

Escândalo com a pintura “Retrato de Madame X”

"Retrato de Madame X" é uma pintura famosa de um jovem imigrante americano e celebridade chamado John Singer Sargent. A pintura retrata Virginie Avegno Gautreau. Sargent esperava que O Retrato de Madame X o ajudasse a ganhar uma boa reputação. O retrato o ajudou a ganhar fama, mas notoriedade devido à sua percebida obscenidade.

Depois que o retrato foi exposto ao público no Salão de Paris, foi alvo de duras críticas e ridículo. O principal motivo de críticas severas foi a alça direita do vestido. Na primeira versão da foto, a alça direita desce do ombro da modelo, revelando um pouco mais do corpo da modelo do que o pretendido. O escândalo que eclodiu atingiu proporções gigantescas e Sargent teve que se mudar para o Reino Unido.

A família Gautreau ficou envergonhada com o escândalo e implorou a Sargent que removesse a pintura. Na tentativa de apaziguar os críticos e o público, Sargent redesenhou a alça para o que pode ser visto hoje no retrato.

Cápsula do tempo do Monte Rushmore

Embora muitos saibam que o Monte Rushmore é uma obra inacabada, poucos sabem da cápsula do tempo. Quando Rushmore foi construído, seu arquiteto-chefe, Gutzon Borglum, queria criar um enorme salão que guardasse todos os documentos importantes da história americana. Ele acreditava que a colocação de documentos e cartas importantes, como a Declaração da Independência e a Constituição, tornaria o já impressionante monumento mais significativo. Infelizmente, seus planos foram frustrados por falta de dinheiro e espaço, que não haviam sido encontrados até sua morte, em 1941, deixando a obra inacabada.

Em 1998, a Constituição, gravada em 16 painéis de esmalte cerâmico contendo textos da Declaração da Independência, a Declaração de Direitos, bem como as memórias de Borglum e as histórias dos presidentes, foi construída na montanha. Eles foram colocados em um cofre de titânio e selados em uma câmara inacabada. Estes documentos devem permanecer selados e intocados durante milhares de anos.

"O Juízo Final" de Michelangelo

Pouco antes de sua morte, o Papa Clemente VII encarregou Michelangelo de pintar o quadro “O Juízo Final” nas paredes da Capela Sistina. A pintura deveria representar o último dia, também conhecido como Dia do Juízo Final, quando Jesus Cristo retornará ao mundo. Porém, a obra de arte causou considerável polêmica depois que Michelangelo pintou vários personagens nus, com suas partes íntimas expostas. Entre esses personagens estavam Jesus Cristo e sua mãe Maria.

Isto não agradou ao cardeal, que lançou a Campanha da Folha de Figueira, cujo objetivo era a remoção total da pintura ou a sua passagem por uma censura estrita. O mestre de cerimônias papal, Biagio da Cesena, também aderiu à campanha, pedindo a censura ou a remoção total da pintura, que, segundo ele, era mais adequada para um banho público ou bar do que para uma igreja. Isso irritou Michelangelo, que usou o rosto de Cesena para representar o rosto de Minos, o deus do submundo. Ele também acrescentou orelhas de burro para mostrar a "estupidez" de Cesena.

Os nus permaneceram na igreja até 1564, quando o Concílio de Trento decidiu que deveriam ser cobertos com folhas de figueira ou pano drapeado. Durante as obras de restauração de 1993, foram retiradas aproximadamente metade dos lençóis e tecidos que cobriam as partes íntimas dos personagens. Graças a isso, descobriu-se que Michelangelo realmente pintou Minos com uma cobra enrolada na cintura, que agarrou sua virilha.

O famoso mestre do retrato, John Singer Sargent, é considerado um artista americano de origem, embora sua cidade natal tenha sido Florença. Seus pais eram americanos, mas toda a sua vida familiar ocorreu em países europeus. Eles não tinham muita riqueza, mas suas capacidades financeiras permitiam-lhes satisfazer sua paixão pelas viagens: mesmo dois filhos que apareciam um após o outro não conseguiam forçar os pais a mudar seu estilo de vida.

No início de 1856, em 12 de janeiro, nasceu na família um menino, que se chamava João, e um ano depois o pequeno João teve uma irmã, Emília. Durante toda a vida eles mantiveram amizade entre si, tornando-se as pessoas mais próximas.

Os pais ainda viajavam muito - passaram o inverno em uma das cidades do sul da Itália e no verão a família mudou-se para a Alemanha ou França.

É claro que com esse estilo de vida é impossível obter uma educação de qualidade. Mas para John, a constante movimentação de seus pais pelos países europeus permitiu-lhe dominar perfeitamente as principais línguas faladas na Europa.

O desejo de John de desenhar surgiu na primeira infância, e seus desenhos mostravam que o menino também tinha habilidades. Os pais apoiaram o talento de seus filhos. John comemorou seu aniversário de dezoito anos em Paris, onde estudou na oficina do artista da moda, Charles Emile Durand, especializado em pintura de retratos. O extraordinário talento do aspirante a artista foi notado por todos que puderam ver o trabalho de John.

Os estudos de Durand continuaram até 1878, quando o jovem artista iniciou sua formação na Escola de Belas Artes, onde frequentou a aula do professor Leon Bourne.

Sargent ainda não tinha se formado quando sua pintura foi exibida pela primeira vez no Salon, uma prestigiada exposição parisiense realizada anualmente. Era 1876 e em 1881 ocorreu a primeira vitória significativa na vida do jovem artista - sua pintura foi premiada com uma medalha no Salão.

Sargent pintou muito naquela época, seu trabalho era variado - composições, paisagens e retratos que tornaram o mestre famoso. Ao mesmo tempo, o artista viajou muito, herdando dos pais o desejo de viajar.

Aliás, sua primeira viagem aconteceu em 1877. Foi uma visita à América, o país natal dos seus antepassados, que imediatamente penetrou no coração de John. Anos depois, o artista chegou a recusar a oferta de se tornar cavaleiro inglês, pois para isso era necessário renunciar à cidadania americana.

Um pouco mais tarde, Sargent visitou a África, a Espanha e a Holanda, conhecendo as obras de artistas mundialmente famosos.

A popularidade de Sargent cresceu, mas em 1884 eclodiu um escândalo em torno de um retrato que ele pintou e exibiu no Salão de uma mulher famosa em Paris, esposa de um banqueiro francês. O público indignado falou da excessiva franqueza desta imagem.

Este incidente tornou-se o motivo da partida do artista para Londres. Gradualmente, suas obras foram reconhecidas por conhecedores de arte ingleses. Em 1894, Sargent foi eleito membro da Royal Academy of Arts.

Gradualmente, os retratos começaram a ser pintados com menos frequência - Sargent começou a experimentar outros gêneros. Ele pintou paisagens e afrescos, depois começou a tentar pintar batalhas. Sua pintura “Atingido por Gases” tornou-se amplamente conhecida.

No final da vida, Sargent recebeu o título de membro honorário de três universidades ao mesmo tempo.

John Singer Sargent suicidou-se em Londres, em sua casa, em 15 de abril de 1925. Durante o sono, o coração do artista parou.

John Singer Sargent (Inglês: John Singer Sargent, 12 de janeiro de 1856, Florença - 15 de abril de 1925, Londres) - Artista americano, primo do famoso botânico Charles Sargent, um dos pintores de maior sucesso da Belle Époque.

Filho de médico, estudou na Itália, Alemanha e França, onde seu mentor em 1874-1878 foi Emile Auguste Carolus-Durand. Os primeiros trabalhos do artista foram muito apreciados por Henry James. Na França, Sargent tornou-se próximo dos impressionistas, mais próximo de Claude Monet (é famosa a pintura de Sargent de Claude Monet trabalhando na orla de uma floresta). Ele também era amigo de Robert de Montesquiou e Paul Helleux. Na maior parte do tempo, ele morou na França e na Grã-Bretanha, viajou muito pela Europa, Norte da África, Oriente Médio, visitou frequentemente a Itália e veio aos EUA mais de uma vez.

Sargent influenciou a formação do estilo criativo de Mark Lancelot Simons e de outros jovens artistas do início do século XX.

Sargent é um dos primeiros artistas cosmopolitas e apátridas americanos na Europa, um dândi do Fin de siècle. Ele é frequentemente classificado como impressionista, embora Velasquez, Gainsborough e Van Dyck sempre tenham permanecido seus modelos (Roden até o chamou, não sem ironia, de o Van Dyck do nosso tempo). Ele é mais conhecido por seus retratos, cujos modelos incluíam as modelos Rosina Ferrara, Carmela Bertagna, Virginie Gautreau (Retrato de Madame X), as atrizes Ellen Terry e Eleanor Duse, a escritora Judith Gautier, a vice-rainha da Índia Mary Victoria Curzon, a artista e fotógrafa , filantropo e colecionador de pintura de Sarah Sears. Entre os retratos masculinos estão retratos de Theodore Roosevelt, Woodrow Wilson, Henry James, Robert Louis Stevenson, William Butler Yeats. Ele também esteve envolvido com pintura de paredes (Biblioteca Pública de Boston).

Artistas impressionistas (por exemplo, Camille Pizarro) e críticos do grupo Bloomsbury (Roger Fry) frequentemente expressavam ceticismo em relação a Sargent. Em 1883, sua pintura “Edward Darley Boyt's Daughters” causou acalorada controvérsia entre o público e a crítica profissional. Porém, na década de 1960, Sargent ganhou amplo reconhecimento, suas exposições aconteceram nos principais museus da Europa e dos EUA e alcançou o posto de clássico nacional e mundial.

O artista criou aproximadamente 900 obras a óleo, 2.000 aquarelas e muitas obras gráficas. Várias de suas obras são mantidas em museus americanos, principalmente no Museu do Brooklyn, em Nova York. Em 2003, a exposição “Mulheres de John Sargent” foi realizada em Nova York com grande sucesso.

Baseado na pintura de John Sargent “Portrait of Madame X”, o balé “Strapless” foi encenado em 2016 (coreografia de Christopher Wheeldon, libreto de Charlotte Western e Christopher Wheeldon baseado no livro de Deborah Davis, música de M.-A ... Tournage, cenografia de Bob Crowley). O papel do artista foi interpretado pelo dançarino Edward Watson, o papel de sua modelo, Virginie Gautreau, foi interpretado por Natalya Osipova (Royal Ballet, Londres).

John Singer Sargent era um ávido jogador de xadrez, embora mais amador do que profissional. Nas suas longas viagens sempre levava um jogo de xadrez. Há um desenho sem data de Raymond Crosby de um Sargent curvado, presumivelmente meditando sobre um tabuleiro de xadrez (ou, em outra versão, um livro).
Sobreviveram três obras do artista, retratando o seu jogo preferido: “O Jogo de Xadrez”, “O Jogo de Xadrez” (esboço a lápis) e “Doce Idleness”.

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Sargent John Singer é um famoso artista americano. Apesar de este artista ser considerado americano, nasceu em Florença em 1856 e morreu em Londres em 1925.

A arte de pintar Sargen John Singer estudou na França, Itália e Alemanha. Vale dizer que esse artista era amigo de um artista impressionista maravilhoso como. Em uma de suas pinturas (Claude Monet trabalhando na orla de uma floresta), ele até capturou seu amigo trabalhando em mais uma tela. Sargent viajou muito, visitou vários países da Europa, África, Oriente Médio e também veio várias vezes à América. Em todos os lugares ele se inspirou para sua criatividade, encontrou temas inusitados para suas pinturas. Em decorrência de suas viagens e da falta de apego a um local específico como pátria, Sargent é classificado como apátrida, ou seja, apátrida. Hoje em dia essas pessoas são chamadas de Cidadãos do Mundo.

Apesar de ter feito muitas exposições, suas pinturas terem sido reconhecidas como brilhantes e compradas por grandes museus, e a fama de um clássico da pintura ter chegado a ele durante sua vida, muitos artistas, em particular os impressionistas, não falaram muito positivamente sobre sua arte. Os impressionistas não ficaram satisfeitos com o fato de o artista tirar um pouco de todos os lugares e, assim, rejeitar a arte pura. Ele tentou seguir os ideais dos impressionistas, mas sua paixão por artistas como Velázquez, Gainsborough e Van Dyck o forçou a misturar estilos e criar algo próprio, puramente pessoal.

Atualmente, suas obras, das quais são cerca de 3.000, estão em museus de todo o mundo. Uma grande coleção de pinturas do autor é mantida no Museu do Brooklyn, em Nova York.

Sargento John Singer